IZZ

IZZ son un septeto de Nueva York que a lo largo de sus 20 años de carrera ya cuentan con 9 discos en estudio y dos en directo. Su primer long play Silver Of A Sun lo publicaron en 1999 y el último Don't Panic, salió a la venta a mediados de 2019.

IZZ tienen un estilo musical influenciado principalmente por los grupos clásicos británicos como Genesis, King Crimson, ELP o Yes, sobre todo en sus primeros trabajos, pero según fueron pasando los años fueron desarrollando un estilo propio, sobre todo por el sonido característico de la guitarra de Paul Bremner y las voces de los hermanos Galgano.

En 2002 publicaron su segundo disco llamado I Move, donde la producción mejora bastante con respecto a su ópera prima, y donde los teclados van tomando más peso. De este L.P. quiero destacar su decimocuarto corte llamado "Coming Like Light". Atentos a los excelentes guiños Crimsonianos de este tema. Los hermanos Galgano a las voces, teclados y bajo junto con Paul Bremner a la guitarra, más Greg DiMiceli a la batería acústica y Brian Coralian a la percusión y batería eléctrica, fueron el quinteto primario en sus tres primeros discos. Dos años después, editan Ampersand Volume 1 que consta de 11 temas de los entre los cuales 4 de ellos son en directo. 

En 2005 con My River Flows se sumaron al proyecto dos vocalistas femeninas, Anmarie Byrnes y Laura Meade. En esta época se  alejan algo del estilo progresivo clásico y las composiciones van girando hacia el hardrock. La guitarra de Paul Bremner tiene riffs más rockeros, y la base rítmica también evoluciona hacia ese camino. My Rivers Flows es el disco con el que empiezan a subir más aún su nivel de virtuosismo, y donde empiezan a hacerse conocidos a través del boca a boca y los conciertos que dan por USA. Ya solo por incluir el segundo tema "Late Night Salvation", merece la pena comprar este disco, y si te gusta la percusión creo que este corte lo vas a disfrutar de pleno, ya que tanto Coralian como DiMiceli se marcan un dueto genial, pero si aún así te quedas con ganas de más, IZZ cierran este disco con la majestuosa suite "Deafening Silence', 21".

Antes de continuar con la discografía de este genial y poco conocido grupo, tengo que señalar que IZZ sacaron un DVD en directo llamado IZZ Live at NEARfest (2007) que os recomiendo que veáis, y así podáis apreciar a la formación en todo su esplendor.

Cuatro años después dan otra vuelta de tuerca más y editan The Darkened Room (2009). Este disco me recuerda a RUSH, Porcupine Tree, IQ o Riverside en varios tramos, pero siempre con un marcado estilo propio, y es que Bremner tiene un sonido muy peculiar y sus guitarras tanto acústicas como eléctricas a estas alturas ya ha dejado su impronta. Tanto es así, que aunque oyeras un tema por primera vez sin saber que está él a las seis cuerdas, sabrías reconocerlo. Punto a parte es el excelente trabajo de Tom Galgano a los teclados, donde se adivina que ha sido un ávido fan de Keith Emerson. La producción sigue siendo igualmente excelente, y tanto las voces y coros como el bajo y percusión suenan con pegada y brillo. Apuesto a que escuchando el noveno corte "23 Minutes Of Tragedy", este disco os inspirará lo mismo que al que suscribe, por no hablar de la suite "Can't Feel The Earth" dividida en tres partes...

En 2011 editarían su segundo DVD en directo llamado IZZ LiVE. Este DVD cuenta con un bonus de temas grabados en estudio y donde además incluyen el anterior IZZ Live at Nearfest de 2007, más conciertos de otros dos festivales, IZZ Live at ProgWest de 2002 y IZZ Live Webcast de 2003.

 

Después de las excelentes críticas leidas en varios medios, se metieron de nuevo en estudio y publicaron Crush Of Night (2012). Este L.P. está compuesto por siete temas, y si te atrae el jazz fusion con unas percusiones elaboradas unido a todo lo que ya habías oído antes de IZZ, creo que este trabajo te hará sacar una sonrisa de oreja a oreja. Tom Galgano saca todo su partido a las teclas de su piano, muy presente durante los 54' que dura esta obra. De tener que aconsejar un tema, me decanto por el quinto corte llamado "This Reality", pero si quieres llevarte una sorpresa y que se te erice la piel, no dejes de oír el siguiente que da nombre al disco. A estas alturas, IZZ ya ha demostrado la inmensa calidad que atesoran, tanto técnica como compositiva, así que el listón lo tienen muy alto a la hora de editar sus siguientes trabajos.

Pues bien, 3 años después se meten de nuevo en estudio y sacan a la venta Everlasting Instant (2015). Con una duración de casi una hora este nuevo trabajo de los neoyorkinos consta de 11 tracks, y las voces femeninas de Anmarie y Laura cobran mayor protagonismo que en discos anteriores. En octava posición nos encontramos con la cuarta parte de la suite Can't Feel The Earth, Pt. Iv, que es una continuación de las tres primeras incluidas en su quinto disco The Darknered Room.

Como venía adelantando, es difícil seguir manteniendo el nivel que habían mostrado en su anterior disco, y a mi entender este Everlasting Instant está uno o dos escalones por debajo, aun así estamos hablando de un disco que si eres fan de IZZ, no te va defraudar lo más mínimo. De los once temas me quedo con el tercero "Start Again" y séptimo "Keep Away".

Al año siguiente editan Ampersand Volume 2, donde la banda se aleja del rock progresivo para publicar 12 temas de corta duración, y donde las composiciones son más cercanas al pop rock (exceptuando el último corte). Este es un disco donde la banda explora con sus instrumentos creando composiciones menos virtuosas que lo que venían demostrando hasta ese momento. Eso no quita que Bremner siga demostrando el genio que es a las 6 o 12 cuerdas. "Spellbound In The Vortex" y "Ready To Go" (con el que cierran) son los temas que más me llaman la atención del penúltimo álbum de la banda.

Y bien, acercándome al final de la biografía de IZZ, hay que volver a quitarse el sombrero porque el año pasado volvieron a juntarse y editaron un L.P. de mucha calidad. El nombre elegido para acuñar semejante maravilla es Don't Panic (2019), compuesto por seis temas, ¡y qué seis temas! La producción vuelve a ser impecable, pero en este trabajo más aún si cabe.

IZZ vuelven a dotar a sus composiciones con temas llenos de virtuosismo, te recomiendo que oigas el tema instrumental de 10' que ocupa la penúltima posición llamado "Moment Of Inertia", y verás cómo sus ritmos asonantes y contratiempos te recordarán  temas  de los primeros trabajos de King Crimson.

Pero antes de llegar a este genial corte tenemos "Don´t Panic", primer tema del disco que han usado como single y con el que han producido el vídeo para promocionar su último trabajo. Esta canción posiblemente te recordará a Yes, Asia o si me apuras a Supertramp, sin duda es una sabia elección para volver a agradar a sus fans más progresivos.

Continuando con la relación de temas, en segundo lugar nos encontraremos con "42", tema de casi 19' donde seguirán dando excelentes muestras de rock progresivo clásico con unos coros geniales en la parte femenina. Ojo a los solos de Bremner y las baterías porque aquí se encuentran en su máximo esplendor. En realidad, los siete brillan de manera excelsa.

En el ecuador se encuentra "Six String Theory", otro tema instrumental con guitarra acústica de solo 2', que hace de interludio para el mecionado anteriormente, "Moment Of Inertia".

Y como broche final, la pegadiza "Age Of Stars", donde las voces son las protagonistas principales y donde IZZ demuestran con solvencia que dominan de manera majestuosa la mezcla entre rock progresivo clásico con el mejor neoprogresivo.

Actualmente IZZ son:

Paul Bremner: Guitarras
Anmarie Byrnes: Voces y coros

Laura Meade: Voces y coros
Brian Coralian: Batería electrónica
Greg DiMiceli: Batería
John Galgano / Bajo, Guitarra y Voces
Tom Galgano / Teclados, Voz principal y Guitarra acústica

IZZ- (USA)
DVD: "IZZ Live At Nearfest"
Tema: Coming Like Light (Live)

Wobbler

Wobbler es un quinteto formado en Noruega en 1999. Se singularizan por hacer composiciones de rock progresivo clásico de principios de la década de los 70. Si te gustan los discos de esa época de Yes, King Crimson, ELP o Gentle Giant por mencionar algunos, seguro que los noruegos no te dejarán indiferente.

No fue hasta julio de 2005 cuando se atrevieron a publicar su primer L.P. llamado Hinterland. Este está compuesto por 4 temas, y para los más puristas del estilo, estos se mantuvieron estrictos a la hora de elegir los instrumentos que más se caracterizaban en el mundo sinfónico progresivo de los 70.

Hinterland

Melotrón, Hammond, Minnimoog, ARP (Sintetizadores), Clavicémbalo o El Clave (Harpsichord) se pueden disfrutar en su ópera prima (y posteriores trabajos). Bien es cierto que si Wobbler pueden acceder a estos instrumentos diseñados antes de 1975, es porque Lars Fredrick (teclista) es un fanático de este tipo de teclados y cuenta con varios de ellos en su colección privada.

Sin duda este es un disco que deberías tener en tu estantería, y de este Hinterland me gustaría destacar su tercer corte llamado "Rubato Industry".

En 2009 sacaron su segundo trabajo Afterglow, en este caso de menor duración ya que se extiende poco más de media hora. En él nos ofrecen 5 temas, dos de ellos superan los 13' y aunque pudiera parecer un EP y de escaso metraje, este es un trabajo que debe ser escuchado varias veces si queremos sacarle todo su jugo. Vuelven a interpretar sus partituras con los instrumentos de su primer disco y además incorporan el Glokenspiel y la flauta dulce.

Afterglow

El primer tema "The Haywain" es una intro que nos transporta al medievo, para un minuto después deleitarnos con "Imperial Winter White", rock-folk con interludios medievales que te podrán chocar la primera vez que la oigas, pero que encajan muy bien según va fluyendo el disco. Estos cinco músicos se han tomado muy en serio su viaje al "pasado", y la verdad es que lo bordan de principio a fín. Este tema junto con "In Taberna" son los de mayor duración que mencionaba, y curiosamente ambos parecen ser uno, aunque ellos los separan por medio de otro tema llamado "Interlude". Estos dos temas son el núcleo principal y de lo mejor que han publicado en toda su carrera.

Dos años después editan Rites At Dawn (2011), con una duración de 47' repartidos en siete tracks. Si bien en su primer trabajo se notaba mucho las influencias de King Crimson, y en el segundo más a los primeros discos de Jethro Tull y ELP, en este tercero sus composiciones se asemejan más a los británicos Yes. Uno de los motivos principales es por el timbre de voz del nuevo vocalista Andreas Wettergreen que sustituye a Tony Johannessen. En este tercer trabajo destaco "La Bealtaie" y la posterior "In Orbit". De sus cuatro discos quizás este Rites At Dawn sea el que tenga el sonido más "vintage" y menos rockero de todos.

Rides At Dawn

Para ir cerrando esta retrospectiva de los noruegos Wobbler, voy a terminar con su último álbum From Silence To Somewhere (2017). Tiene una duración similar al anterior y después de un vacío de 6 años vuelven con otro cambio en su formación, en este caso a las guitarras, ya que Marius Halleland sustituye a Morten Eriksen. 

Aunque el timbre de Andreas sigue recordando a los míticos Yes de los 70, las composiciones de su último trabajo son mucho más rockeras y me recuerdan en varios momentos a ELP, Anglagard o Gentle Giant. Los instrumentos de teclado retro siguen siendo la base principal, más el añadido de la flauta travesera y el clarinete entre los más reseñables.

Musicalmente, hay una conexión con los tres álbumes anteriores, mientras que al mismo tiempo se abren nuevos horizontes.

Sin duda el tema a destacar es el de nombre homónimo que abre el disco con una duración de 21', y que en ese espacio de tiempo pasa por varias fases de rock sinfónico, música renacentista, folk o rock clásico. Sin duda un pasaje que te hará viajar por varios estilos de manera brillante.

From Silence To Somewhere

El siguiente tema que me gustaría destacar es "Fermented Hours", penúltimo tema del disco y en él podemos degustar a Lars Fredrik en todo su esplendor, es el tema más potente y rockero con unos riffs de teclado espectaculares, y una base rítmica muy Rushiana en el ecuador del mismo.

Wobbler han tardado 6 años en publicar este From Silence To Somewhere, pero sin duda ha merecido mucho la pena esta larga espera.

En su bandcamp podéis oír y comprar toda su discografía, y además podremos verlos en directo junto a los húngaros Solaris dentro del festival Minnuendo en Peralta (Navarra) durante el próximo 11 de mayo.

Actualmente Wobbler son:

Lars Fredrik Frøislie: Teclados
Kristian Karl Hultgren: Bajo
Martin Nordrum Kneppen: Percusión
Marius Halleland: Guitarra
Andreas Wettergreen: Vocalista y guitarra

Wobbler- (Noruega)

DISCO: "From Silence To Somewere".- 2017

TEMA: Fermented Hours

Mind's Doors

Mind's Doors son un quinteto que ya cuenta con tres discos publicados en su discografía.

En sus comienzos optaron por componer música dentro del género del Rock Progresivo de los 70, pero en sus dos siguientes trabajos sus composiciones tornaron más claramente hacia el Metal Progresivo, con notables influencias de grupos de peso como Dream Theater, Haken o Metallica.
Esto es bastante palpable en su segundo L.P del que hablaré más adelante.

En Mayo de 2009 debutan con Capital Sins, un L.P. conceptual de 9 temas con una duración total que ronda la hora y media. No suele ser la norma habitual debutar con un álbum de esa duración, así que me inclino a pensar que tenían mucho material donde elegir y les fue complicado publicarlo con menor contenido.

Este Capital Sins nos cuenta una historia que gira sobre la vida de un personaje llamado Steve, a éste le usan como hilo conductor de manera que según se va desarrollando el disco, nos van narrando su vida y cuáles fueron sus siete pecados capitales.

De tener que destacar algunos temas de entre los 9, me quedo con el que abre el disco llamado "Selling His Soul -Pride", donde en 17' presentan su currículum, y el posterior "The Beggining -Sloth".

Si peco de ser sincero -espero que me perdonen-, el resto de temas no los encuentro al nivel de los dos primeros cortes, y tengo que reconocer que este disco se me hace algo pesado de oír de un tirón, posiblemente influya mucho su excesiva duración, y la falta de una mejor producción.

No obstante os invito (aquí) a que le déis una escucha y luego valoréis por vosotros mismos.

En junio de 2015 se vuelven a meter en estudio para sacar su segundo trabajo llamado Rusted World.

Esta segunda entrega es otro disco conceptual que nos narra el drama de Romeo y Julieta, el cuál transcurre en un futuro apocalíptico. 

En este caso desglosan el disco en 8 temas, los cuáles no llegan a sumar una hora en total.

Rusted World tiene una mejor producción y eso hace que brillen mucho mejor tanto el bajo como los teclados. Como decía al principio, en este álbum aprecio con mayor claridad el giro que dan buscando un sonido mucho más marcado dentro del Metal Progresivo, y las influencias de bandas  como Simphony X o Dream Theater.

Con esta segunda entrega la banda parece haber sido fiel a su road map, y en las composiciones de los temas se nota que han sido más directos ya no solo porque sus duraciones son más cortas, sino que también las noto más estructuradas, lo que hace que sean más disfrutables al oído.

De entre los 8 temas que componen el disco (aquí lo podéis oír) la mayoría son destacables y en todos ellos las guitarras tienen un marcado protagonismo, con unos riffs más intensos y una base rítmica más pesada. Buen ejemplo de esto que menciono es que el disco fluye muy bien desde el primer tema hasta el final.

No obstante de este más que notable disco, me gustaría destacar temas como el primer corte "Australis World I", track que cumple de sobra su cometido enganchándote para evitar el temido fast forward.
Luego destacaría la genial "Rusted Love II. Remembrance" o la de mayor duración "Misty Eye" con la que se despiden con una maravillosa balada a medio tiempo.

Bien, pues para ir entrando ya a desgranar su último trabajo, me gustaría destacar antes de nada como Mind's Doors han dado un salto exponencial desde su primer a este su tercer trabajo. Ya no solo en el fantástico diseño de su portada, sino también en la cuidadosa producción de su recién editado The Edge Of The World, de hecho este ha sido mezclado en Italia y masterizado en Finlandia.

Yo los conocí con Rusted World y luego me puse con Capital Sins, ejercicio este que hizo que a lo mejor no valore en su justa medida su álbum debut, ya que cuesta ser objetivo cuando vamos de "más" a "menos", así que no me gustaría que a vosotros os pasara lo mismo. 

Bueno, pero ¿por qué os digo esto?, pues ya lo comprenderéis cuando oigáis el disco que acaban de publicar hace una semana estos cinco músicos de Alicante (España). Así que mi consejo es que si no los conocíais antes de leer esta entrada, lo suyo es que lo hagáis en orden cronológico y así podréis entender lo que os quiero transmitir.

Hablar de The Edge Of The World es hablar de un disco que derrocha calidad desde la primera hasta la última corchea. Es un trabajo mayúsculo que me ha dejado completamente sorprendido y que ha entrado como un cañon para ocupar un hueco dentro de mi playlist de favoritos.

Este es otro disco conceptual basado en una historia real de amor que versa sobre el compromiso, la lealtad y con un final sorprendente que te asoma al límite de nuestro mundo .

Esta última y brillante entrega está formada por 8 cortes con una duración aprox. de 1 hora.

Mind's Doors abren su último trabajo con "A Warm Nest", y lo hacen de manera impactante, con unas guitarras muy bien solapadas que te ponen en estado de máxima atención desde el primer segundo, el riff de inicio lo irán repitiendo a través de todo el tema de manera inteligente, intercalando entre medias variaciones de todo tipo donde demuestran todo su potencial. Este, es el segundo corte con mayor duración del disco, ya que el de mayor metraje es con el que cierran el L.P. con nombre homónimo, y donde los dos comparten los mismos riffs de guitarras, de manera que si escuchas el disco completo en bucle, aprecias claramente como ambos van unidos y cierran el círculo.

"Hollow Days" comienza tranquila, a modo de balada con unos teclados que son los que llevan el hilo conductor, hasta que a la mitad del desarrollo el tema gira, y va pasando por tramos más metaleros y las guitarras se hacen dueñas del mismo con unos punteos bastante hardcore. Majestuosos cambios de ritmo se tornan durante los 9' que dura.

El tercer corte es "Koma", un instrumental de 6 minutos que te deja perplejo y te anticipa lo que estos cincos genios tienen aún por demostrar. Sublime es poco.

Ahora, después del derroche de ingenio y talento demostrado, nos situan el que eligieron como sigle llamado "Sweet Dreams". Este es otro tema para no dejar de mover el cuello. Es evidente que saben muy bien cómo  moverse entre bases pesadas, impases con capas de teclados creando atmósferas muy al estilo de Derek Sherinian, y una batería muy presente que no pasa desapercibida en ningún instante.

"The Light", el siguiente en la lista, comienza cual obertura y se va desarrollando paulatinamente, recordándome a muchos temas de The Neal Morse Band. Este es quizás el tema menos metalero del disco, pero saben perfectamente como encajarlo para meterte a fuego en su propuesta. Magnífico.

Ocupando el sexto lugar nos regalan otro instrumental "Endless Nights". Sin palabras, imposible hacerlo mejor en 3', de verdad que no exagero lo más mínimo. Teclados y guitarras en su máximo apogeo.

Después de lo que ya nos han ofrecido, que para mí es de una calidad excelsa, vienen "Victoria" que es una balada que comienza con una intro que tiene todos los condicionantes para erizarte la piel , y para finalizar el que da nombre al disco llamado "The Edge Of The World".

Siento no poder calificarlo porque no tengo adjetivos llegando a esta parte de la entrada. Solo os digo que llegados a este punto, cuando os pongáis a esucharlo procurad prestar toda vuestra atención si queréis disfrutarlo en plenitud. Creo que a esta altura estos genios se lo han ganado, y no esta de más cerrar los ojos durante los 12:26 que dura para conseguir llevarte al borde del mundo.

Invito a todos aquellos que se molesten en leer esta retrospectiva de Mind's Doors, a que cuanto menos os paséis por su bandcamp y compréis alguno de sus trabajos. Ni que decir tiene que este último no debería faltar en la discografía de todo amante al buen Metal Progresivo.

En mí humilde opinión, este The Edge Of The World debería estar muy alto en las listas al mejor disco del año, ojo que no solo hablo a nivel nacional.

Actualmente Mind's Doors son:

César Alcaraz - Voz y Guitarra
Alberto Abeledo - Guitarra
Eloy Romero - Bajo
Jose Bernabeu - Batería
Marcos Beviá - Teclados




Mind's Doors- (España)
DISCO: "The Edge Of The World".- 2018
TEMA: Sweet Dreams

Laviàntica

Laviàntica son una banda originaria de Roma que acaba de publicar su segundo trabajo en estudio llamado The Experience. Este es un disco conceptual de rock progresivo clásico instrumental, que versa sobre la experiencia que tiene una entidad inteligente llamada Galbat cuando entra en contacto con nuestro planeta y sus habitantes.

Aún siendo un disco 100% instrumental, las partes melódicas son interpretadas por las guitarras eléctricas y el minimoog. Las líneas de flauta travesera hacen la función de voz de Galbat. A mí me ha sorprendido bastante lo bien que conjugan las partes de viento con las de piano en muchos pasajes. Estos seis músicos son capaces de crear atmósferas que te transportarán a paisajes idílicos, haciéndote recordar en muchas ocasiones a bandas tan míticas como Camel, Jethro Tull o Yes.

Laviàntica publicaron su primer LP autoproducido llamado Clessidra en 2013, siendo este más del género neoprogresivo, y donde si que hay una voz que lleva el hilo conductor. Este lo podéis degustar en su bandcamp.

Actualmente Laviàntica son:

Marco Palma - Guitarras
Paolo Perilli - Bajo
Paolo Musolino - Teclados, guitarra acústica
Luciano Stendardi - Piano
Daniele Sorrenti - Flauta, minimoog
Roberto Rossi - Batería

Aquí puedes oir el primer corte de su último disco The Experience.



Laviàntica - (Italia)
DISCO: "The Experience".- 2018
TEMA: The Jurney

Dry River

Supongamos que disponemos de una máquina del tiempo, y nos da por programarla para que nos lleve a una fecha futura, digamos que para saber qué se escuchará en 20 años, y mira por donde nos trasladamos a una tasca donde suena un estribillo que dicta:

"Nooo, no es el premio que ganar, uuu, nos es la meta ni el final, es el Camino.
Nooo,no es un trono al que aspirar, uuu, no es la huella que dejar, es el Camino."

Envuelto todo con unos riffs que me recuerdan mucho a los primeros discos de Metallica, con el añadido de unas estructuras de cuerdas geniales para segundos después dar paso a pasajes muy del estilo de Muse según se alejan del estribillo y van desarrollando el tema.

Claro que después de oír eso y de estar aun aturdido por el jet lag pienso, no puede ser que en el futuro se haga tan buena música, así que según me voy ubicando y me fijo en la decoración y vestimenta del personal se escucha:

"Al otro lado sigo yo, donde el tiempo es material, tratando de pasar por la vida sin callar, ya me conoces.
Hoy he vuelto a ser un triste bufón que no entiende nada, nada de esta gran función.
Y ahora qué hago yo, no sé cómo voy a poder cargar con tu paso fugaz, el miedo a olvidar el drama del amor..."

Todo arropado por un blues con marcados tintes Pink Floydianos, con el aderezo además de unos exquisitos coros femeninos muy presentes, al igual que no podían faltar en los mejores trabajos de los británicos.
Como entenderéis, para un amante del género que nos reúne en este blog, oír esto te hace cuando menos girar la cabeza, y más todavía si hablamos de un grupo que no canta en inglés, ni tiene el empuje de los medios para la altísima calidad que atesoran.

El primer tema llamado 'Camino' lo podemos encontrar en 6º corte de 2038, que es el tercer y recién editado Cd en estudio de los castellonenses Dry River. El siguiente se llama 'Al Otro Lado' y va a continuación del anterior.

Volviendo al presente, he de reconocer que yo ya los conocía en 2011 cuando publicaron su primer disco llamado El Circo de la Tierra, donde abrían su ópera prima con 'Y tras el telón' y desde ese momento captaron toda mi atención, admiración y respeto.
Grandes composiciones, unos coros celestiales, una voz de Angel Belinchón con un timbre que te engancha desde la primera modulación, para además sumarle unas composiciones y arreglos de primerísimo nivel.
Os invito a escuchar este tema antes de seguir leyendo estas líneas y luego si os apetece podéis continuar aguantando mi argumento, aunque entenderé que sigáis escuchando el resto de temas...

¿Ya de vuelta?, pues gracias por volver (también podéis seguir leyendo con Dry River de background).

Continuando con la presentación de estos seis musicazos + 2 actores que hacen más ameno si cabe sus directos, prosigo para mencionar que en 2014 publican su segundo trabajo en estudio con el nombre de Quien tenga algo que decir.. Que calle para siempre. Si su primera entrega era de notable, ésta es de sobresaliente, y no exagero si os digo que no hay un solo tema que baje del 9/10.
Como argumento de mis palabras aquí os invito a que escuchéis el 4º tema llamado 'Frascos Vacíos', eso sí, de fondo por favor, que si no veo que no termináis de leer mi review.

Pero claro, con tanto nivel en sus dos primeros trabajos, más el reciente directo que han sacado en 2017 Rock&Rollo...¡y caña! (también disponible en DVD), me temía que este 2038  podría no estar a la altura, pero lo curioso es que no sé qué tiene este disco que se comporta como un poliedro, mientras más lo escucho, más caras le descubro y más me atrae, aunque siendo sincero para mí no llegan al nivel de su anterior trabajo. A mi entender, este 2038 es una figura de 10 caras que debería ser usado por todo docente que se dedique a impartir música a sus alumnos, ya que podemos encontrar géneros, subgéneros, subgéneros de los géneros y la parte contratante de la primera parte. Cada tema toca un palo distinto dentro de los derivados del blues y el jazz, no olvidemos que ésas son dos de las principales semillas de las que parte la música que nos atrae aquí hoy en día, y estos seis genios liderados por Carlos Alvarez saben moverse a la perfección sin que chirríen.

Queriendo hacer un paralelismo muy personal con las influencias de cada tema, aquí os hago un breve resumen de lo que me han recordado oyendo cada uno de ellos:

1- 'Perder el norte'.
Me llevan a los tiempos añejos de Asfalto, con el añadido de un genial solo de guitarra.

2- 'Fundido a negro'.
Tema que trata sobre el cambio climático y que nos invita al pesimismo, por cómo estamos tratando nuestro planeta, todo ello apoyado con un sonido muy potente que me recuerda a los Muse de principios de siglo y que da mayor empaque al sentido de las letras.

3- 'Rómpelo'.
Corte muy rockero con claras insinuaciones a Barón Rojo.

4- 'Me va a faltar el aire'.
Grandes arreglos para esta balada a medio tiempo con claros guiños a Queen. Sin duda el epicentro del poliedro.

5- 'Me pone a cien'.
Tema tutti frutti donde dan rienda suelta a varios estilos, big band, r&b, discotequero. Admirable cómo son capaces de salir airosos con una mezcla tan variopinta.

6- 'Camino'.
Riffs que recuerdan los primeros discos de Metallica como ya he comentado, con orquestaciones en la parte media y con marcadas reminiscencias clásicas. Temazo que demuestra una excelente ejecución sabiendo cómo enlazar distintos estilos. Ese es el Camino y estos castellonenses te llevan por él.

7- 'Al otro lado'.
Blues con marcado sabor pink floydiano, buenos coros y genial voz de Angel.

8- 'Cautivos'.
Country + Rockabilly, chocante en la primera escucha, gana con cada repaso que le das.

9- 'Peán'.
Simphony X, Dream Theater (Scenes From A Memory. Metropolis Pt 2). Ojo al mensaje de la letra. Para mí junto a 'Rosas y Gaviotas' de su segundo disco, lo mejor que han compuesto en cuanto a su extrema complejidad y continuos cambios. De poner un pero sería la transición al primer estribillo que me resulta algo abrupta.

10- 'Con la música a otra parte'.
The Police, Thin Lizzy, con un buen dúo de guitarras rockeras clásicas de los años 60. Perfecto broche para cerrar semejante obra maestra.

A todo ello hay que remarcar la excelente producción que hace que tu equipo de sonido, o si los escuchas con auriculares saquen pecho con facilidad, sin que notemos la más mínima fatiga auditiva, y eso es de agradar,  ya que te hace disfrutar con cada nota, y que todos brillen por igual. Este disco tiene muchas capas, arreglos de orquesta, coros, viento que con una mezcla defectuosa enmascararían el resultado final, al igual que la voz de Angel y su excelente dicción. Ya quisieran muchos actores españoles de series de actualidad contar con ella.

Creo que no debo excerderme más, así que no lo dudes y atrévete a escuchar este 2038 todo sea que alguien tenga una máquina del tiempo, se nos adelante y se haga con todas las copias antes de que lleguemos en 20 años -si es que llegamos, como Dry River nos pronostica en su segundo corte 'Fundido a Negro'-. O quien sabe si leyendo estas líneas se inspira y la acaba patentando.

Ah, y un servidor ha podido degustarlos en directo un par de veces (la tercera será este 10 de Marzo en la sala Sound Stage de Madrid), y os puedo asegurar que en directo suenan mejor que en estudio, y que la línea del tiempo pareciera quedar en standby mientras actúan sobre el escenario.


Actualmente Dry River son:

Carlos Álvarez - Guitarras / Teclados / Voces y Programación
Ángel Belinchón - Voz /  Guitarras
Matías Orero - Guitarra y Voces
Martí Bellmunt - Teclados / Guitarra / Saxo y Voces
Pedro Corral - Batería
David Mascaró - Bajo y Voces




Dry River - (España)
DISCO: "2038".- 2018
TEMA: Me va a faltar el aire

Noah Histeria

Con motivo de que hace menos de un mes que han publicado su primer L.P. , en la entrada de hoy os traigo a un quinteto originario de Xátiva (Valencia), cuyo trabajo Hautefaye me ha parecido brillante, con mucho talento y sobre todo descarado, pero antes de entrar a desgranarlo vamos a hacer una pequeña intro sobre el grupo y cual ha sido su progresión hasta hoy en día.

En Enero de 2013 Noah Histeria se dieron a conocer grabando su primer single en estudio, lo llamaron 'Un lugar mejor' y en vista de que tuvieron una más que aceptable acojida, decidiceron echarle más horas y optaron por ponerse a componer más temas, así que en Febrero de 2014 editan su primer E.P. compuesto por seis tracks de nombre homónimo.

Esta es una obra que mezcla los géneros del post-rock con algunas incursiones al metal progresivo, acompañado de unas atmósferas vocales y unas estructuras de teclados que les hace salirse de los etiquetados más reconocibles. A causa de su intimista manera de componer, abandonan los patrones más convencionales y ello conlleva que o bien te sientas absorbido por su estilo o mejor pasas página. Coincidiremos en que hacer una presentación de tu ópera prima así de primeras y sin red, es digno de valorar para una banda emergente que busca hacerse un hueco dentro de este difícil género musical, y eso dice mucho a favor de Noah Histeria, ya que estos cinco jóvenes se han mojado desde el primer momento, han apostado fuerte, y para mi han acertado de pleno para terminar saliendo victoriosos.

Entrando ya en su E.P., este es un trabajo donde ya desde el segundo corte llamado 'Fui Rey' (abren con una intro de 50") vemos que las letras casan perfectamente con la música, y como el tema va navegando por distintos patrones, evolucionando de manera contínua para irnos describiendo los distintos estados de ánimo por los que pasamos a lo largo de nuestra vida.

Ellos se declaran seguidores de grupos como Cynic, Opeth, Haken, Muse, Sôber, Porcupine Tree o Tool, y buena muestra de sus gustos se ven reflejados en el siguiente tema 'Que no te escondes' donde podemos encontrar claras influencias de Maynard y cia. Es con este tema donde el talento y creatividad quedan patentes y queda presente que tienen aún mucho recorrido pendiente por exhibir.

'Noah', enclavada justo en el epicentro es otra demostración de como saben conjugar el rock progresivo más clásico con el metal, además de deleitarnos con unos coros muy bien elaborados.




'N 5' comienza como una balada a medio tiempo que según avanza va mostrando la calidad interpretativa de cada uno de sus integrantes, ya entrados en la mitad del desarrollo del tema comienzan a "experimentar" cual jazz session, creando y dando forma hasta cerrrarlo de manera magistral.

Con 'El Viaje' ponen el punto y final a su primera entrega de manera soberbia, tema que nos recuerda mucho a los madrileños Sôber.

Aprovechando el lanzamiento de este E.P. Noah Histeria cuenta con material suficiente, así que desde 2014  no han parado de girar por todos los rincones de España, y como consecuencia  han conseguido ganar algunos premios en diferentes festivales, motivo este que les permitió tocar en diferentes ciudades del país vecino como París.

Pues bien, entrados ya en 2017 deciden grabar su primer L.P. Hautefaye, el cual consta de 7 temas formando un disco conceptual que versa sobre la historia real de una pequeña localidad francesa llamada Hautefaye, donde a mediados del siglo XIX hubo un caso de histeria colectiva que hizo que los integrantes de este pueblo perdieran la razón, convirtiéndose en canívales durante un día. 

Esta macabra historia les sirve para sacarle partido y jugar con las dualidades masa/individuo, máquina/hombre, tecnología/naturaleza. Este es un álbum que habla del sometimiento de un concepto sobre el otro, pero habrá una continuación para equilibrar la balanza para retornar al punto de partida y, con la suficiente distancia, entender que todo se trata de una rueda que gira sin descanso, completando el ciclo una y otra vez cada 43 días (como periodo meramente simbólico). Porque la historia se repite, también la histeria.
Como ellos nos cuentan, según la leyenda la causa de esta histeria colectiva pudo ser causada al ingerir un vino que provenía de una cepa de uva llamada Noah, y que en esas fechas se encontraba atacada por filoxera, haciendo enloquecer a todo aquel que lo bebía.

Doc (Juan) letrista y vocalista de la banda se encarga de ir narrando e interpretando a los diferentes personajes de esta historia. En el primer tema Javier abre 'Hautefaye' con sus teclados mientras Doc nos va introduciendo en la historia, para posteriormente unirse el resto de componentes. Ya desde estos primeros minutos podemos ir intuyendo por donde van a ir estos cinco jóvenes instrumentalmente hablando.
Este es un disco que me ha gustado mayoritariamente por saber conjugar a las mil maravillas lo que son varios estilos musicales tan dispares como el jazz, el swing, djent, metal progresivo y variadas pinceladas de piano clásico que encuentro muy presente durante gran parte de la obra.

Me había hecho un borrador desglosando cada uno de los siete temas, pero he visto que me iba a extender demasiado, así que sólo voy a destacar un par de ellos:

43 días (Part. 1 y 2) dónde se reflejan toda una amalgama de estilos, unas voces muy trabajadas de Doc con unos coros de apoyo fantásticos, orquestaciones que engrandecen el tema, apoyado todo con una base rítmica potente por parte de Daniel a las baquetas y Salvador al bajo. Alex y Javier son los que llevan el hilo conductor solapándose de manera genial, de manera que van desarrollando pasajes que sincronizan con lo que Doc nos va narrando, eso no quita que a los 3' de la segunda parte de la suite, Daniel y Salvador se peguen un interludio con una jazz session de 1' junto al fantástico piano clásico de Javier, para que luego Alex se marque un riff de guitarra para ir concluyendo el tema de manera intensa, al estilo de los Opeth de los 90's.

El otro tema es 'Shiro', el de mayor duración y con el que echan el cierre a este imprescindible trabajo de rock progresivo nacional. Por si no querías una taza toma, aquí te van unas cuantas...

Shiro es el personaje final de la historia, y es donde ellos aprovechan y echan toda la carne en el asador. Grandes voces alternadas con guturales en segundo plano (algo que se repite en otros temas y que le da un mayor empaque al guión), un piano genial de Javier quien para mí es el miembro más destacable de la banda por como alterna sus sintetizadores añadiendo además, orquestaciones y variados dibujos de piano clásico.

Me atrevería a apostar que si no conoces a  Noah Histeria y oyes Hautefaye, lo siguiente que haces es ir a buscar su biografía esperando encontrar una vigencia mayor de la banda, y choca que solamente lleven 4 años y que además sean tan jóvenes.

Para mí este último trabajo ha sido una sorpresa y eso que los seguía desde sus comienzos, y la impresión que me queda es que han tenido una evolución diría que logarítmica, ya que si su primer trabajo era notable, este es de sobresaliente.

Sinceramente les deseo lo mejor y que triunfen en cada festival y concurso en el que participen.
Es muy difícil encontrar una banda que sincronice también las letras (además en castellano) con unas composiciones tan sumamente complejas y arriesgadas como han hecho estos chiquets de Xátiva.

Chapó!.

Actualmente Noah Histeria son:

Juan Giner (Doc) – Voces
Alejandro Alonso – Guitarra
Salvador Parraga –Bajo
Daniel Torregrosa – Batería
Javier Badia – Piano / Sintetizadores y coros

Noah Histeria - (España)
DISCO: "Hautefaye".- 2017
TEMA: Coloso

Thank You Scientist

Thank You Scientist son un septeto formado en New Yersey, cuyos orígenes fueron las ganas de formar una banda de rock progresivo por parte de tres estudiantes de la universidad de Montclair, ya que en ellos crecía el mismo interés por bandas legendarias como Mahavishnu Orchestra, The Beatles, o Frank Zappa, de manera que el guitarrista Tom Monda, el trompetista Andrew Digrius y el saxofonista Ellis Jasenovic se pusieron manos a la obra para reclutar al resto de integrantes y empezar a dar forma a su proyecto allá por 2009.

Dos años después publican su primer trabajo, un E.P. llamado The Perils Of Time Travel junto al vocalista Salvatore Marrano, con Greg Colacino al bajo, Odin Alvarez a la batería, y un violinista llamado Russ Lynch.

Este primer E.P. cuenta con 5 temas formados por una amalgama de géneros como son el Jazz Fusion, Pop-Rock, pizcas de Psicodelia con Funky, Metal Progresivo y mucho, mucho talento.

De entre estos cinco temas me quedo con el de mayor duración, y el que pone el broche final al disco llamado 'Gemini'.

Al año siguiente se juntan de nuevo para entrar en estudio, y esta vez publican un trabajo de larga duración que cuenta con 10 temas llamado Maps On Non-Existent Places.

Este L.P. desde su segundo corte llamado 'A Salesman's Guide to Non-Existence' me capturó a la primera escucha, ya que si bien siguen el sendero marcado en su primer E.P., ahora su propuesta es más ambiciosa y aquí los instrumentos de viento son los que llevan el riff principal del tema apoyados por una guitarra y bajo más pesados, a parte de que la voz de Salvatore continúa maridando perfectamente.

Pero no han hecho más que terminar los 5 minutos y 6 segundos que dura este tema cuando enlazan con otro pepinazo llamado 'Feed The Horses', tema este donde el violín se toma su venganza y pasa a ser el hilo conductor de la estructura, y donde la base rítmica tiene un marcado aire progresivo con contínuos cambios de ritmo. Por supuesto que tanto el saxo como la trompeta siguen estando presentes, y aunque están en un segundo plano no dejan de ser uno de los engranajes principales de estos siete genios.

Os puedo asegurar que este disco de Thank You Scientist es una bomba de relojería, ya que cuando lo escuchas por primera vez no dejas de sorprenderte con cada track. A veces pareciera que estás oyendo a una Big Band de los años 70, otras a una emisora de radio de fin de semana que pincha temas de orquestas de salones de fiesta como en 'Blood on The Radio', para segundos después meter un riff de guitarra metalero que parece sacado de otra emisora de heavy metal que ha interferido en tu dial.

Este disco ha tenido una remasterización en el año 2014, así que si podéis haceros mejor con esta copia porque se agradece bastante, máxime con tanta variedad de instrumentos.

Ya en verano de 2016 editan el que es hasta la fecha el último L.P. de este variopinto grupazo, acuñándolo como Stranger Heads Prevail.

Para la elaboración de este disco hubo cambios en la formación, dando entrada al violinista Ben Karas y bajista Cody McCorry.

Este disco está compuesto por 11 temas y todos ellos son de un nivel excelso, sin duda no se han desviado un ápice de la hoja de ruta marcada con su primer L.P.

Es un disco que juega al despiste continuamente, y si no fuera porque el timbre de Salvatore Marrano está presente contínuamente, pensaría que en cada tema estoy oyendo por un lado a los Snarky Puppy, por otro a los Coheed And Cambria, o si me apuráis a Jamiroquai, así son de variopintos estos siete magníficos.

Para este último trabajo de los Thank You Scientist si tengo que destacar algún tema en particular, serían el que ocupa la cuarta posición llamado 'Mr. Invisible', y la instrumental que ocupa el octavo lugar bautizada como 'Rube Golberg Variatons'.

Por cierto, que la portada es de lo más original, y está llena de simbolismos que se entremezclan sin una aparente conexión lógica, pero vamos que están en la línea de la propuesta musical que nos proponen, así que desde primera vista ya te puedes hacer una idea de que no te vas a aburrir, sólo espero que disfrutéis tanto como yo con estos genios locos , y espero que no tarden mucho en mostrarnos otro nuevo trabajo que desgranar.

Actualmente Thank You Scientist son:

Salvatore Marrano – Voces
Tom Monda – Guitarra
Cody McCorry –Bajo
Odin Alvarez – Batería
Ben Karas – Violín
Ellis Jasenovic – Saxofón
Andrew Digrius – Trompeta




Thank You Scientist
DISCO: "Stranger Heads Prevail".- 2016
TEMA: Mr. Invisible

Nova Collective

Nova Collective son un un cuarteto británico formado en 2014 por músicos pertenecientes a otros grupos de metal progresivo tan conocidos como Haken, Between The Buried And Me (BTBAM) y Cynic.

En ese año Dan Briggs bajista de BTBAM se puso en contacto con uno de los guitarristas de Haken (Richard Henshall), y empezaron a intercambiarse demos para ir conformando la obra que finalmente han publicado este mes de Marzo. Para ello reclutaron al batería Matt Lynch de Cynic y al ex-teclista de Haken Pete Jones.


Lo que os muestro hoy es un proyecto íntegramente instrumental que cuenta con una explosiva y claramente bien conjuntada amalgama de géneros como son el Jazz Fusion, Metal Progresivo, y tonalidades con reminiscencias étnicas más algún que otro giro funky.



The Further Side ha sido el título elegido para acuñar su ópera prima. Este se divide en 6 cortes que cuentan con duraciones de entre 5 y 9 minutos con unos desarrollos muy parecidos entre ellos, pero que con sabiduría han sabido dar los matices exactos para que cada uno de los temas destaquen de manera sobresaliente y dispar sobre el resto, bien porque haya tracks como 'Dancing Machines' con guiños a los húngaros Special Providence, o 'Air' con pasajes que me recuerdan mucho en la percusión al díscolo Virgil Donati de Planet X, o a los primeros discos de Dream Theater en 'Ripped Appart And Reassembled'.
Con esto quiero resaltar que es un trabajo que fluye y crea adicción de principio a fin y que para nada se me hace monótono, si no todo lo opuesto, ya que es francamente agradable de oir.

De los 6 temas, me quedo con el que ocupa el cuarto puesto en la lista llamado 'State Of Flux' con más de nueve minutos de duración, y donde estos cuatro musicazos son capaces de subirte a una montaña rusa y hacerte recordar rifs de teclado muy al estilo de Adam Holzman con Steven Wilson, o guitarras muy parecidas a las de Joe Satriani, pasando por el comienzo del tema en el que a primera escucha pensaba que era un nuevo trabajo de los estadounidenses Gordian Knot.

Sobre la mezcla señalar que ha caido sobre Rich Mouser quien ya ha trabajado antes con Transatlantic y Neal Morse, y la producción es realmente exquisita con una gama dinámica sobresaliente así que vuestros equipos de sonido os lo agradecerán.


Actualmente Nova Collective son:

Dan Briggs – Bajo
Matt Lynch – Batería
Pete Jones – Teclados
Richard Henshall – Guitarra


Nova Collective - (Reino Unido)
DISCO: "The Further Side".- 2017
TEMA: Dancing Machines

Niacin

El trío que os vengo a traer hoy se creó a mediados de los años 90, y el estilo musical que desarrollan es una mezcla instrumental de rock progresivo con mucho de jazz fusion. Su primer trabajo de nombre homónimo se publicó en 1996 y hasta la actualidad han editado 5 discos en estudio y dos en directo.

Niacin es un supergrupo formado por el virtuoso e increible bajista Billy Sheehan (Mr. Big, Talas o Steve Vai), el teclista John Novello (Chick Corea, Manhattan Transfer o Donna Summer) y en la batería Dennis Chambers (Jonh Scofield Band, Santana o Jhon McLaughlin) quien en 2001 fue incluido en el Modern Drummer Hall Of Fame, así que os podéis ir haciendo una idea de quien se encuentra al cargo de las baquetas. 

El nombre de Niacin proviene del órgano Hammond B3 que usa Novello, de manera que ellos juegan con la sigla B3, ya que ésta también es conocida como la vitamina B3 y cuyo nombre común es la Niacina.

El sonido del Hammond B3 es realmente distinguible, y durante mucho tiempo a finales de los 60 y durante los 70, si no tenías un B3 en tu banda, básicamente no tenías suerte como grupo, así que todo el mundo que se dedicara al rock tenía que tener uno. 

Niacin están claramente influenciados por grupos como King Crimson, PFM, Gentle Giant, Genesis y ELP. Pero lo que les hace realmente exquisitos además, es la influencia del género del jazz fusion de grupos como The Weather Report o Return To Forever, o del hard rock de los británicos Deep Purple, de manera que esta amalgama de estilos produce un auténtico placer para todos los sentidos. 

En el año 2000 editan Deep e invitan a Glenn Hughes (Deep Purple) como vocalista añadiendo además a Steve Lukather (Toto) a la guitarra para componer el penúltimo tema del disco llamado 'Things Ain't Like They Used To Be'. Disco este que tiene piezas que me recuerdan mucho al fallecido Jon Lord en cortes como 'Blue Mondo'

Dos años después publican Time Cruch su quinto trabajo (cuarto en estudio), y en su cuarto track se marcan un delicioso cover de 'Red' de King Crimson, así que os podéis ir haciendo una idea del tipo de supergrupo que estoy hablando.

A día de hoy me es muy difícil destacar un álbum en particular porque todos son de un nivel sublime. Lo que te recomiendo es que empieces por el primero y vayas pasando etapas hasta llegar a Krush, último L.P de estos tres genios publicado en 2013.

Lo que sí tengo claro es que si eres un amante de los teclados debes tener toda la discografía de los estadounidenses Niacin, con la ventaja añadida de que la producción hará que no te pierdas ni una nota y te empapes al 100% de su exquisita música.

Actualmente Niacin está compuesto por:
Dennis Cambers / Batería
John Novello / Teclados
Billy Sheehan / Bajo

Niacin - (USA)
DISCO: "Organik".- 2005
TEMA: Repeat Offender

Earthside

¿Qué sucede si mezclas una orquesta sinfónica de estudio (la de Moscú para más señas), junto a un cuarteto de músicos titulados en escuelas de música como Berklee, lincenciados en música por la universidad de Yale, o graduados en la universidad de Hartford a los que les atrae el género del Metal Progresivo?. Pues que puede salir cualquier engendro, de donde en mayor porcentaje lo normal es que sea un totum revolutum que pase sin pena ni gloria.

Hecha esta leve introducción, cabe destacar que la banda elegida para la entrada de hoy solo tiene un trabajo publicado. Su ópera prima se titula A Dream In Static (2015) y como ellos definen en su web: "es una creación colectiva que juega un estilo de absorción de la música progresiva moderna que catalogamos como rock cinematográfico".

Este primer trabajo de Earthside, es una historia de sacrificio con propósito y anhelo existencial a través de movimientos instrumentales entretejidos con composiciones vocales a cargo de invitados especiales, como son Lajon Witherspoon de Sevendust, Björn Strid de Soilwork, Daniel Tompkins de Tesseract, y Eric Zirlinger Face The King.

El disco fue grabado en Estocolmo, bajo la vigilancia del reconocido productor e ingeniero David Castillo (Opeth, Katatonia,)  y la masterización de Jens Bogren (Opeth, Leprous).

Esto es sin duda una de las claves principales del éxito que ha tenido este primer álbum de los norteamericanos Earthside, ya que hay tanta cantidad de notas que asimilar que si la producción no está a un nivel excelso acabaríamos sobresaturados, máxime si añadimos que ya de por sí las construcciones son complejas y densas incluso para los fieles seguidores del género.

Para mí este disco tiene ciertos puntos de 'djent' aunque bebe de influencias muy variadas.
Los tonos, las texturas, las atmósferas, los estilos y la ejecución general de diferentes géneros y subgéneros, pasando por el jazz a través de prog. clásico e incluso con algo de death metal melódico. Pero para mi modesto entender lo más importante de Earthside es aunar todos estos elementos haciendo que fluyan en total sintonía, algo que es altamente complejo de conseguir sin caer en la pomposidad, y sin olvidar que hay mucha orquestación que encajar, y eso está al alcance de muy pocos. Como muestra de ello, lo mejor es deleitarse con el segundo corte llamado 'Mob Mentality'.

Este A Dream In Static engloba 8 temas de los cuales cuatro son instrumentales y el resto cuenta con las voces de los invitados que cité al principio de la entrada. De entre estos me gustaría destacar el tercer tema interpretado por Tompkings y que da nombre al álbum.

Otro factor que me ha sorprendido bastante es que tienen publicado su trabajo íntegro en bandcamp, de manera que lo puedes oír de manera gratuita aquí.

Ah, y ojo con la suite, 'Contemplation Of The Beautiful' que cierra tan majestuosa obra porque tiene muchas capas que descubrir.

Actualmente Earthside está compuesto por:

- Ben Shanbrom / Batería y voces
- Frank Sacramone / Teclados
- Ryan Griffin / Bajo
- Jamie van Dyck / Guitarras y voces





Earthside - (USA)
DISCO: "A Dream In Static".- 2015
TEMA: A Dream In Static

Jardín de la Croix

Con el recientemente estrenado Circadia, los madrileños Jardín de la Croix han dado una vuelta de tuerca más a sus laberínticas composiciones. Por primera vez en su discografía añaden los teclados de manera notable como instrumento, y lo hacen de manera sublime y como parte principal de la estructura de los temas.

Englobados principalmente dentro del género del Math Rock, este cuarteto también ha experimentado con el Rock Progresivo y con el Post Rock sobre todo dentro de este Circadia, su cuarto y último trabajo.

No es fácil encontrar bandas que te hagan una propuesta tan adictiva dentro de este género, máxime siendo todos sus temas instrumentales, por lo que aún tiene más mérito que te sepan reclutar desde los primeros acordes.

Jardín de la Croix surgieron en el año 2007. Ander Carballo (guitarra/teclados) e Israel Arias (batería) se conocían desde la infancia. Posteriormente reclutarían a otro guitarrista, Pablo Rodríguez, y a las 4 cuerdas a Hugo Casqueiro para convertirse en cuarteto.

En 2008 publicarían su primer trabajo titulado Pomeroy, disco autoproducido donde el rock progresivo de los 70/80 tiene mucho protagonismo en sus composiciones. No es raro oír guiños a los canadienses RUSH en temas como 'Polyhedrom' o 'Jesse Harding', o que algún pasaje nos recuerden a los británicos YES.

Pomeroy consta de 7 temas y es su primer álbum conceptual (en realidad todos ellos lo son pues giran entorno a una temática en particular) . El guión elegido en que se basaron para su ópera prima trata sobre:

Jesse Harding Pomeroy, que fue un niño que desde muy temprana edad se dedicaba a secuestrar a compañeros del colegio, torturarlos y masturbarse mientras lo hacia. Su siguiente paso fue cometer innumerables asesinatos hasta que él mismo se entregó a la policía argumentando que el diablo estaba en su interior y que no lo podía controlar. Pasó el resto de su vida en la cárcel y fue un caso de estudio para muchos psicólogos y criminólogos del siglo XIX.

Cabe destacar que este álbum debut tuvo que ser reeditado después de haber vendido las primeras y únicas 1.000 copias físicas fabricadas a tal efecto, así que ya se dejaba entrever que si había continuidad en la banda, estos chavales podían llegar a hacerse un hueco dentro del panorama no solo a nivel nacional si no también más allá de nuestro territorio.

Ya metidos en 2011 publican su segunda obra bautizada como Ocean Cosmonaut, CD que a fecha de hoy me sigue enganchando desde el primer track. En este trabajo las composiciones se alejan del disco anterior dando paso a un mayor uso del tapping, en el que tanto Ander como Pablo se "doblan" haciendo que las notas se multipliquen de manera exponencial, o cuando mientras una guitarra interpreta arpegios en armonía, la otra produce riffs distorsionados. Todo ello siempre apoyado y dirigido por una base rítmica compleja con numerosos cambios de ritmo y contratiempos inimaginables. Es en este disco donde más los englobo dentro del género Math Rock.

Este estilo de componer queda bien patente en temas como 'Island of Atlas' o 'Blacksnout Seasnail'.

Pues bien, volviendo a su segundo trabajo decir que es un disco extenso de 8 temas donde cuentan con la incorporación de un nuevo bajista, ya que Carlos Schonert entra en lugar de Hugo Casqueiro.

Ocean Cosmonaut está inspirado en el concepto de:

El antagonismo entre la búsqueda espacial y lo más profundo del mar. Un viaje por las profundidades marinas más extremas donde todo está por descubrir. -Está más explorado el espacio que las profundidades más oscuras de la fosa de las marianas-, de donde por cada inmersión que se hace, descubren nuevas especies y secretos del universo. Un mundo dentro del nuestro todavía por descubrir.

Con estos dos trabajos tienen material suficiente para girar no solo por Madrid si no por el resto de España, siendo además invitados en varios festivales y teloneando a grupos internacionales de renombre como Maybeshewill, Alcest o Caspian, incluso a los mismísimos y aclamados Toundra, producto también made in Spain.

A estas alturas Jardín de la Croix cuenta con un número fiel de seguidores que llena las salas donde tocan. Pero no contentos con mostrar su talento en directo, se embarcan dos años después en su tercer y más ambicioso proyecto hasta la fecha.

187 Steps To Cross The Universe (2013) si bien es un E.P. de sólo 4 temas, cuenta con una densidad contundente, de manera que cada uno de los cuatro tracks es capaz de condensar de forma sublime todo el talento que tienen, no ya solo a nivel compositivo, si no a nivel individual.

Todos los cortes son de un nivel excelso, no hay valles porque son incapaces de bajarse de la cumbre.

Cierto es que ayuda y mucho la notable producción que tiene este trabajo, no hay que olvidar que no es fácil conseguir una buena gama dinámica que te permita oír cada uno de los dibujos que nos proponen, ya que hay tanta información en sus estructuras que es fácil perderse algunas líneas de bajo por una distorsión de guitarra o elegantes armonías de tapping si no se ha sabido mezclar y masterizar como debiera. En este caso tiraron la casa por la ventana y partieron a Suecia para que Jens Brogen (ingeniero de Haken, Opeth o Between The Buried And Me entre otros) diera su toque final.

Para mi gusto y el de muchos críticos, el disco es sobresaliente y si tengo que destacar algún tema en particular lo hago por su segunda propuesta 'Topsy's Revenge', seguido muy de cerca por 'Talking With Planets', donde por primera vez usan orquestación y leves notas de piano al comienzo del tema.

Mención aparte tiene el espectacular Art Work de Alonso Urbanos, donde podemos adivinar con esas dos torres en que se basa esta auténtica joya.

187 Steps... está inspirado en el genial inventor Nikola Tesla el cual con sus inventos revolucionó el mundo moderno tal cual lo conocemos hoy en día. Fue ninguneado y relegado al olvido por su afán de hacer un mundo mejor para la humanidad, mas limpio y con energía gratis para todos. Algo que los lobbies de la energía no podían permitir.

Como era de esperar, este tercer trabajo ha sido el que les ha dado el empujón definitivo para fichar por una productora con mayor músculo como es Aloud Music, teniendo que dejar a Noma Records después de tanto tiempo.

Para ayudarse más aún en la difusión del álbum, hicieron un videoclip del tema 'Colorado Springs' que además entró a formar parte de un concurso. Aquí puedes verlo.

Pero no solo queda aquí el nivel que han alcanzado, ya que hasta la prestigiosa marca alemana de instrumentos de percusión SONOR ha fichado a Israel para que éste pueda renovar su set.

Set que ha podido estrenar en estudio con el recién editado cuarto trabajo acuñado como Circadia, el cual contiene 6 temas y donde como comentaba al comienzo de la entrada, los teclados dan un toque distinto a lo anteriormente publicado, añadiendo además que Carlos Schonert tiene que dejar la banda para dar paso a Nacho Hernández quien tiene un estilo diferente a la hora de tocar el bajo.

En este proyecto noto que el desarrollo de los temas es más clásico, con mayores cadencias que hacen que aunque siga habiendo muchas capas que descubrir, el acceso a ellas sea más liviano y con más pausas, dándose un mayor espacio entre ellos, aunque te obligue como siempre a dedicar todos tus sentidos si realmente quieres descifrar el mensaje que nos proponen.

Buena muestra de ello es el cuarto tema llamado 'Green Architect', donde de manera muy sutil van superponiendo notas para ir formando melodías con unas líneas de bajo de Nacho -quien toca con púa- y una percusión exquisita de Israel, hasta que Pablo rompe la hegemonía para dar rienda suelta a un riff demoledor, no sin que Ander a los teclados responda entrando en el ecuador del tema para ponerse como eje principal y verdadero arquitecto de la composición. Es aquí donde se muestra la madurez de Jardín de la Croix, cuando dejan un interludio para un solo de piano o batería con el resto en espera para luego entrar y seguir con el desarrollo inicial. Es un exponente de que han sabido llegar al equilibrio entre todo su potencial como músicos y como compositores.

Otra muestra más de que han sabido arriesgar sobremanera es en el último corte llamado 'Flowers and Carrion', donde arrancan con unos dibujos de teclado en solitario apoyándose luego del estilo dubstep como base rítmica, para un minuto después enlazar muy brillantemente con la percusión convencional de Israel, quien sabe sacarle todo el partido a su batería. Para mí, el broche final del disco que te sigue dejando con un bouquet que pide más y más.

No creo equivocarme si digo que estos cuatro musicazos aún no han tocado techo, así que crucemos los dedos porque sigan unidos y nos continúen deleitando con sus increíbles composiciones.

En este trabajo la producción es mejor aún y en ella participan tanto Aloud Music como Lars Gravacions. Es más, si eres un fan de los discos puedes adquirirlo en Vinilo de 180 grs.

Para esta obra la trama elegida trata sobre:

Crear un universo regido por los ritmos circadianos, donde mandan 6 animales increíbles que son capaces de controlar el tiempo a su antojo. Son los auténticos amos del tiempo. La cigarra, la medusa inmortal, el cangrejo soldado, el tejo, el caribú y la flor cadáver, son el ejemplo de ello.

Por lo pronto estamos de enhorabuena ya que el próximo 21 de Enero presentarán Circadia en la sala Caracol de Madrid, así que yo ya me lo apunto en mi agenda, a tiempo estás tú de hacer lo mismo en la tuya.

Actualmente Jardín de la Croix son:

• Ander Carballo - Guitarra/Teclados
• Israel Arias - Percusión
• Pablo Rodríguez - Guitarra
• Nacho Henández - Bajo

Jardín de la Croix - (España)
DISCO: "187 Steps To Cross The Universe".- 2013
TEMA: Talking With Planets (Studio Live)