Dry River

Supongamos que disponemos de una máquina del tiempo, y nos da por programarla para que nos lleve a una fecha futura, digamos que para saber qué se escuchará en 20 años, y mira por donde nos trasladamos a una tasca donde suena un estribillo que dicta:

"Nooo, no es el premio que ganar, uuu, nos es la meta ni el final, es el Camino.
Nooo,no es un trono al que aspirar, uuu, no es la huella que dejar, es el Camino."

Envuelto todo con unos riffs que me recuerdan mucho a los primeros discos de Metallica, con el añadido de unas estructuras de cuerdas geniales para segundos después dar paso a pasajes muy del estilo de Muse según se alejan del estribillo y van desarrollando el tema.

Claro que después de oír eso y de estar aun aturdido por el jet lag pienso, no puede ser que en el futuro se haga tan buena música, así que según me voy ubicando y me fijo en la decoración y vestimenta del personal se escucha:

"Al otro lado sigo yo, donde el tiempo es material, tratando de pasar por la vida sin callar, ya me conoces.
Hoy he vuelto a ser un triste bufón que no entiende nada, nada de esta gran función.
Y ahora qué hago yo, no sé cómo voy a poder cargar con tu paso fugaz, el miedo a olvidar el drama del amor..."

Todo arropado por un blues con marcados tintes Pink Floydianos, con el aderezo además de unos exquisitos coros femeninos muy presentes, al igual que no podían faltar en los mejores trabajos de los británicos.
Como entenderéis, para un amante del género que nos reúne en este blog, oír esto te hace cuando menos girar la cabeza, y más todavía si hablamos de un grupo que no canta en inglés, ni tiene el empuje de los medios para la altísima calidad que atesoran.

El primer tema llamado 'Camino' lo podemos encontrar en 6º corte de 2038, que es el tercer y recién editado Cd en estudio de los castellonenses Dry River. El siguiente se llama 'Al Otro Lado' y va a continuación del anterior.

Volviendo al presente, he de reconocer que yo ya los conocía en 2011 cuando publicaron su primer disco llamado El Circo de la Tierra, donde abrían su ópera prima con 'Y tras el telón' y desde ese momento captaron toda mi atención, admiración y respeto.
Grandes composiciones, unos coros celestiales, una voz de Angel Belinchón con un timbre que te engancha desde la primera modulación, para además sumarle unas composiciones y arreglos de primerísimo nivel.
Os invito a escuchar este tema antes de seguir leyendo estas líneas y luego si os apetece podéis continuar aguantando mi argumento, aunque entenderé que sigáis escuchando el resto de temas...

¿Ya de vuelta?, pues gracias por volver (también podéis seguir leyendo con Dry River de background).

Continuando con la presentación de estos seis musicazos + 2 actores que hacen más ameno si cabe sus directos, prosigo para mencionar que en 2014 publican su segundo trabajo en estudio con el nombre de Quien tenga algo que decir.. Que calle para siempre. Si su primera entrega era de notable, ésta es de sobresaliente, y no exagero si os digo que no hay un solo tema que baje del 9/10.
Como argumento de mis palabras aquí os invito a que escuchéis el 4º tema llamado 'Frascos Vacíos', eso sí, de fondo por favor, que si no veo que no termináis de leer mi review.

Pero claro, con tanto nivel en sus dos primeros trabajos, más el reciente directo que han sacado en 2017 Rock&Rollo...¡y caña! (también disponible en DVD), me temía que este 2038  podría no estar a la altura, pero lo curioso es que no sé qué tiene este disco que se comporta como un poliedro, mientras más lo escucho, más caras le descubro y más me atrae, aunque siendo sincero para mí no llegan al nivel de su anterior trabajo. A mi entender, este 2038 es una figura de 10 caras que debería ser usado por todo docente que se dedique a impartir música a sus alumnos, ya que podemos encontrar géneros, subgéneros, subgéneros de los géneros y la parte contratante de la primera parte. Cada tema toca un palo distinto dentro de los derivados del blues y el jazz, no olvidemos que ésas son dos de las principales semillas de las que parte la música que nos atrae aquí hoy en día, y estos seis genios liderados por Carlos Alvarez saben moverse a la perfección sin que chirríen.

Queriendo hacer un paralelismo muy personal con las influencias de cada tema, aquí os hago un breve resumen de lo que me han recordado oyendo cada uno de ellos:

1- 'Perder el norte'.
Me llevan a los tiempos añejos de Asfalto, con el añadido de un genial solo de guitarra.

2- 'Fundido a negro'.
Tema que trata sobre el cambio climático y que nos invita al pesimismo, por cómo estamos tratando nuestro planeta, todo ello apoyado con un sonido muy potente que me recuerda a los Muse de principios de siglo y que da mayor empaque al sentido de las letras.

3- 'Rómpelo'.
Corte muy rockero con claras insinuaciones a Barón Rojo.

4- 'Me va a faltar el aire'.
Grandes arreglos para esta balada a medio tiempo con claros guiños a Queen. Sin duda el epicentro del poliedro.

5- 'Me pone a cien'.
Tema tutti frutti donde dan rienda suelta a varios estilos, big band, r&b, discotequero. Admirable cómo son capaces de salir airosos con una mezcla tan variopinta.

6- 'Camino'.
Riffs que recuerdan los primeros discos de Metallica como ya he comentado, con orquestaciones en la parte media y con marcadas reminiscencias clásicas. Temazo que demuestra una excelente ejecución sabiendo cómo enlazar distintos estilos. Ese es el Camino y estos castellonenses te llevan por él.

7- 'Al otro lado'.
Blues con marcado sabor pink floydiano, buenos coros y genial voz de Angel.

8- 'Cautivos'.
Country + Rockabilly, chocante en la primera escucha, gana con cada repaso que le das.

9- 'Peán'.
Simphony X, Dream Theater (Scenes From A Memory. Metropolis Pt 2). Ojo al mensaje de la letra. Para mí junto a 'Rosas y Gaviotas' de su segundo disco, lo mejor que han compuesto en cuanto a su extrema complejidad y continuos cambios. De poner un pero sería la transición al primer estribillo que me resulta algo abrupta.

10- 'Con la música a otra parte'.
The Police, Thin Lizzy, con un buen dúo de guitarras rockeras clásicas de los años 60. Perfecto broche para cerrar semejante obra maestra.

A todo ello hay que remarcar la excelente producción que hace que tu equipo de sonido, o si los escuchas con auriculares saquen pecho con facilidad, sin que notemos la más mínima fatiga auditiva, y eso es de agradar,  ya que te hace disfrutar con cada nota, y que todos brillen por igual. Este disco tiene muchas capas, arreglos de orquesta, coros, viento que con una mezcla defectuosa enmascararían el resultado final, al igual que la voz de Angel y su excelente dicción. Ya quisieran muchos actores españoles de series de actualidad contar con ella.

Creo que no debo excerderme más, así que no lo dudes y atrévete a escuchar este 2038 todo sea que alguien tenga una máquina del tiempo, se nos adelante y se haga con todas las copias antes de que lleguemos en 20 años -si es que llegamos, como Dry River nos pronostica en su segundo corte 'Fundido a Negro'-. O quien sabe si leyendo estas líneas se inspira y la acaba patentando.

Ah, y un servidor ha podido degustarlos en directo un par de veces (la tercera será este 10 de Marzo en la sala Sound Stage de Madrid), y os puedo asegurar que en directo suenan mejor que en estudio, y que la línea del tiempo pareciera quedar en standby mientras actúan sobre el escenario.


Actualmente Dry River son:

Carlos Álvarez - Guitarras / Teclados / Voces y Programación
Ángel Belinchón - Voz /  Guitarras
Matías Orero - Guitarra y Voces
Martí Bellmunt - Teclados / Guitarra / Saxo y Voces
Pedro Corral - Batería
David Mascaró - Bajo y Voces




Dry River - (España)
DISCO: "2038".- 2018
TEMA: Me va a faltar el aire

Noah Histeria

Con motivo de que hace menos de un mes que han publicado su primer L.P. , en la entrada de hoy os traigo a un quinteto originario de Xátiva (Valencia), cuyo trabajo Hautefaye me ha parecido brillante, con mucho talento y sobre todo descarado, pero antes de entrar a desgranarlo vamos a hacer una pequeña intro sobre el grupo y cual ha sido su progresión hasta hoy en día.

En Enero de 2013 Noah Histeria se dieron a conocer grabando su primer single en estudio, lo llamaron 'Un lugar mejor' y en vista de que tuvieron una más que aceptable acojida, decidiceron echarle más horas y optaron por ponerse a componer más temas, así que en Febrero de 2014 editan su primer E.P. compuesto por seis tracks de nombre homónimo.

Esta es una obra que mezcla los géneros del post-rock con algunas incursiones al metal progresivo, acompañado de unas atmósferas vocales y unas estructuras de teclados que les hace salirse de los etiquetados más reconocibles. A causa de su intimista manera de componer, abandonan los patrones más convencionales y ello conlleva que o bien te sientas absorbido por su estilo o mejor pasas página. Coincidiremos en que hacer una presentación de tu ópera prima así de primeras y sin red, es digno de valorar para una banda emergente que busca hacerse un hueco dentro de este difícil género musical, y eso dice mucho a favor de Noah Histeria, ya que estos cinco jóvenes se han mojado desde el primer momento, han apostado fuerte, y para mi han acertado de pleno para terminar saliendo victoriosos.

Entrando ya en su E.P., este es un trabajo donde ya desde el segundo corte llamado 'Fui Rey' (abren con una intro de 50") vemos que las letras casan perfectamente con la música, y como el tema va navegando por distintos patrones, evolucionando de manera contínua para irnos describiendo los distintos estados de ánimo por los que pasamos a lo largo de nuestra vida.

Ellos se declaran seguidores de grupos como Cynic, Opeth, Haken, Muse, Sôber, Porcupine Tree o Tool, y buena muestra de sus gustos se ven reflejados en el siguiente tema 'Que no te escondes' donde podemos encontrar claras influencias de Maynard y cia. Es con este tema donde el talento y creatividad quedan patentes y queda presente que tienen aún mucho recorrido pendiente por exhibir.

'Noah', enclavada justo en el epicentro es otra demostración de como saben conjugar el rock progresivo más clásico con el metal, además de deleitarnos con unos coros muy bien elaborados.




'N 5' comienza como una balada a medio tiempo que según avanza va mostrando la calidad interpretativa de cada uno de sus integrantes, ya entrados en la mitad del desarrollo del tema comienzan a "experimentar" cual jazz session, creando y dando forma hasta cerrrarlo de manera magistral.

Con 'El Viaje' ponen el punto y final a su primera entrega de manera soberbia, tema que nos recuerda mucho a los madrileños Sôber.

Aprovechando el lanzamiento de este E.P. Noah Histeria cuenta con material suficiente, así que desde 2014  no han parado de girar por todos los rincones de España, y como consecuencia  han conseguido ganar algunos premios en diferentes festivales, motivo este que les permitió tocar en diferentes ciudades del país vecino como París.

Pues bien, entrados ya en 2017 deciden grabar su primer L.P. Hautefaye, el cual consta de 7 temas formando un disco conceptual que versa sobre la historia real de una pequeña localidad francesa llamada Hautefaye, donde a mediados del siglo XIX hubo un caso de histeria colectiva que hizo que los integrantes de este pueblo perdieran la razón, convirtiéndose en canívales durante un día. 

Esta macabra historia les sirve para sacarle partido y jugar con las dualidades masa/individuo, máquina/hombre, tecnología/naturaleza. Este es un álbum que habla del sometimiento de un concepto sobre el otro, pero habrá una continuación para equilibrar la balanza para retornar al punto de partida y, con la suficiente distancia, entender que todo se trata de una rueda que gira sin descanso, completando el ciclo una y otra vez cada 43 días (como periodo meramente simbólico). Porque la historia se repite, también la histeria.
Como ellos nos cuentan, según la leyenda la causa de esta histeria colectiva pudo ser causada al ingerir un vino que provenía de una cepa de uva llamada Noah, y que en esas fechas se encontraba atacada por filoxera, haciendo enloquecer a todo aquel que lo bebía.

Doc (Juan) letrista y vocalista de la banda se encarga de ir narrando e interpretando a los diferentes personajes de esta historia. En el primer tema Javier abre 'Hautefaye' con sus teclados mientras Doc nos va introduciendo en la historia, para posteriormente unirse el resto de componentes. Ya desde estos primeros minutos podemos ir intuyendo por donde van a ir estos cinco jóvenes instrumentalmente hablando.
Este es un disco que me ha gustado mayoritariamente por saber conjugar a las mil maravillas lo que son varios estilos musicales tan dispares como el jazz, el swing, djent, metal progresivo y variadas pinceladas de piano clásico que encuentro muy presente durante gran parte de la obra.

Me había hecho un borrador desglosando cada uno de los siete temas, pero he visto que me iba a extender demasiado, así que sólo voy a destacar un par de ellos:

43 días (Part. 1 y 2) dónde se reflejan toda una amalgama de estilos, unas voces muy trabajadas de Doc con unos coros de apoyo fantásticos, orquestaciones que engrandecen el tema, apoyado todo con una base rítmica potente por parte de Daniel a las baquetas y Salvador al bajo. Alex y Javier son los que llevan el hilo conductor solapándose de manera genial, de manera que van desarrollando pasajes que sincronizan con lo que Doc nos va narrando, eso no quita que a los 3' de la segunda parte de la suite, Daniel y Salvador se peguen un interludio con una jazz session de 1' junto al fantástico piano clásico de Javier, para que luego Alex se marque un riff de guitarra para ir concluyendo el tema de manera intensa, al estilo de los Opeth de los 90's.

El otro tema es 'Shiro', el de mayor duración y con el que echan el cierre a este imprescindible trabajo de rock progresivo nacional. Por si no querías una taza toma, aquí te van unas cuantas...

Shiro es el personaje final de la historia, y es donde ellos aprovechan y echan toda la carne en el asador. Grandes voces alternadas con guturales en segundo plano (algo que se repite en otros temas y que le da un mayor empaque al guión), un piano genial de Javier quien para mí es el miembro más destacable de la banda por como alterna sus sintetizadores añadiendo además, orquestaciones y variados dibujos de piano clásico.

Me atrevería a apostar que si no conoces a  Noah Histeria y oyes Hautefaye, lo siguiente que haces es ir a buscar su biografía esperando encontrar una vigencia mayor de la banda, y choca que solamente lleven 4 años y que además sean tan jóvenes.

Para mí este último trabajo ha sido una sorpresa y eso que los seguía desde sus comienzos, y la impresión que me queda es que han tenido una evolución diría que logarítmica, ya que si su primer trabajo era notable, este es de sobresaliente.

Sinceramente les deseo lo mejor y que triunfen en cada festival y concurso en el que participen.
Es muy difícil encontrar una banda que sincronice también las letras (además en castellano) con unas composiciones tan sumamente complejas y arriesgadas como han hecho estos chiquets de Xátiva.

Chapó!.

Actualmente Noah Histeria son:

Juan Giner (Doc) – Voces
Alejandro Alonso – Guitarra
Salvador Parraga –Bajo
Daniel Torregrosa – Batería
Javier Badia – Piano / Sintetizadores y coros

Noah Histeria - (España)
DISCO: "Hautefaye".- 2017
TEMA: Coloso

Thank You Scientist

Thank You Scientist son un septeto formado en New Yersey, cuyos orígenes fueron las ganas de formar una banda de rock progresivo por parte de tres estudiantes de la universidad de Montclair, ya que en ellos crecía el mismo interés por bandas legendarias como Mahavishnu Orchestra, The Beatles, o Frank Zappa, de manera que el guitarrista Tom Monda, el trompetista Andrew Digrius y el saxofonista Ellis Jasenovic se pusieron manos a la obra para reclutar al resto de integrantes y empezar a dar forma a su proyecto allá por 2009.

Dos años después publican su primer trabajo, un E.P. llamado The Perils Of Time Travel junto al vocalista Salvatore Marrano, con Greg Colacino al bajo, Odin Alvarez a la batería, y un violinista llamado Russ Lynch.

Este primer E.P. cuenta con 5 temas formados por una amalgama de géneros como son el Jazz Fusion, Pop-Rock, pizcas de Psicodelia con Funky, Metal Progresivo y mucho, mucho talento.

De entre estos cinco temas me quedo con el de mayor duración, y el que pone el broche final al disco llamado 'Gemini'.

Al año siguiente se juntan de nuevo para entrar en estudio, y esta vez publican un trabajo de larga duración que cuenta con 10 temas llamado Maps On Non-Existent Places.

Este L.P. desde su segundo corte llamado 'A Salesman's Guide to Non-Existence' me capturó a la primera escucha, ya que si bien siguen el sendero marcado en su primer E.P., ahora su propuesta es más ambiciosa y aquí los instrumentos de viento son los que llevan el riff principal del tema apoyados por una guitarra y bajo más pesados, a parte de que la voz de Salvatore continúa maridando perfectamente.

Pero no han hecho más que terminar los 5 minutos y 6 segundos que dura este tema cuando enlazan con otro pepinazo llamado 'Feed The Horses', tema este donde el violín se toma su venganza y pasa a ser el hilo conductor de la estructura, y donde la base rítmica tiene un marcado aire progresivo con contínuos cambios de ritmo. Por supuesto que tanto el saxo como la trompeta siguen estando presentes, y aunque están en un segundo plano no dejan de ser uno de los engranajes principales de estos siete genios.

Os puedo asegurar que este disco de Thank You Scientist es una bomba de relojería, ya que cuando lo escuchas por primera vez no dejas de sorprenderte con cada track. A veces pareciera que estás oyendo a una Big Band de los años 70, otras a una emisora de radio de fin de semana que pincha temas de orquestas de salones de fiesta como en 'Blood on The Radio', para segundos después meter un riff de guitarra metalero que parece sacado de otra emisora de heavy metal que ha interferido en tu dial.

Este disco ha tenido una remasterización en el año 2014, así que si podéis haceros mejor con esta copia porque se agradece bastante, máxime con tanta variedad de instrumentos.

Ya en verano de 2016 editan el que es hasta la fecha el último L.P. de este variopinto grupazo, acuñándolo como Stranger Heads Prevail.

Para la elaboración de este disco hubo cambios en la formación, dando entrada al violinista Ben Karas y bajista Cody McCorry.

Este disco está compuesto por 11 temas y todos ellos son de un nivel excelso, sin duda no se han desviado un ápice de la hoja de ruta marcada con su primer L.P.

Es un disco que juega al despiste continuamente, y si no fuera porque el timbre de Salvatore Marrano está presente contínuamente, pensaría que en cada tema estoy oyendo por un lado a los Snarky Puppy, por otro a los Coheed And Cambria, o si me apuráis a Jamiroquai, así son de variopintos estos siete magníficos.

Para este último trabajo de los Thank You Scientist si tengo que destacar algún tema en particular, serían el que ocupa la cuarta posición llamado 'Mr. Invisible', y la instrumental que ocupa el octavo lugar bautizada como 'Rube Golberg Variatons'.

Por cierto, que la portada es de lo más original, y está llena de simbolismos que se entremezclan sin una aparente conexión lógica, pero vamos que están en la línea de la propuesta musical que nos proponen, así que desde primera vista ya te puedes hacer una idea de que no te vas a aburrir, sólo espero que disfrutéis tanto como yo con estos genios locos , y espero que no tarden mucho en mostrarnos otro nuevo trabajo que desgranar.

Actualmente Thank You Scientist son:

Salvatore Marrano – Voces
Tom Monda – Guitarra
Cody McCorry –Bajo
Odin Alvarez – Batería
Ben Karas – Violín
Ellis Jasenovic – Saxofón
Andrew Digrius – Trompeta




Thank You Scientist
DISCO: "Stranger Heads Prevail".- 2016
TEMA: Mr. Invisible

Nova Collective

Nova Collective son un un cuarteto británico formado en 2014 por músicos pertenecientes a otros grupos de metal progresivo tan conocidos como Haken, Between The Buried And Me (BTBAM) y Cynic.

En ese año Dan Briggs bajista de BTBAM se puso en contacto con uno de los guitarristas de Haken (Richard Henshall), y empezaron a intercambiarse demos para ir conformando la obra que finalmente han publicado este mes de Marzo. Para ello reclutaron al batería Matt Lynch de Cynic y al ex-teclista de Haken Pete Jones.


Lo que os muestro hoy es un proyecto íntegramente instrumental que cuenta con una explosiva y claramente bien conjuntada amalgama de géneros como son el Jazz Fusion, Metal Progresivo, y tonalidades con reminiscencias étnicas más algún que otro giro funky.



The Further Side ha sido el título elegido para acuñar su ópera prima. Este se divide en 6 cortes que cuentan con duraciones de entre 5 y 9 minutos con unos desarrollos muy parecidos entre ellos, pero que con sabiduría han sabido dar los matices exactos para que cada uno de los temas destaquen de manera sobresaliente y dispar sobre el resto, bien porque haya tracks como 'Dancing Machines' con guiños a los húngaros Special Providence, o 'Air' con pasajes que me recuerdan mucho en la percusión al díscolo Virgil Donati de Planet X, o a los primeros discos de Dream Theater en 'Ripped Appart And Reassembled'.
Con esto quiero resaltar que es un trabajo que fluye y crea adicción de principio a fin y que para nada se me hace monótono, si no todo lo opuesto, ya que es francamente agradable de oir.

De los 6 temas, me quedo con el que ocupa el cuarto puesto en la lista llamado 'State Of Flux' con más de nueve minutos de duración, y donde estos cuatro musicazos son capaces de subirte a una montaña rusa y hacerte recordar rifs de teclado muy al estilo de Adam Holzman con Steven Wilson, o guitarras muy parecidas a las de Joe Satriani, pasando por el comienzo del tema en el que a primera escucha pensaba que era un nuevo trabajo de los estadounidenses Gordian Knot.

Sobre la mezcla señalar que ha caido sobre Rich Mouser quien ya ha trabajado antes con Transatlantic y Neal Morse, y la producción es realmente exquisita con una gama dinámica sobresaliente así que vuestros equipos de sonido os lo agradecerán.


Actualmente Nova Collective son:

Dan Briggs – Bajo
Matt Lynch – Batería
Pete Jones – Teclados
Richard Henshall – Guitarra


Nova Collective - (Reino Unido)
DISCO: "The Further Side".- 2017
TEMA: Dancing Machines

Niacin

El trío que os vengo a traer hoy se creó a mediados de los años 90, y el estilo musical que desarrollan es una mezcla instrumental de rock progresivo con mucho de jazz fusion. Su primer trabajo de nombre homónimo se publicó en 1996 y hasta la actualidad han editado 5 discos en estudio y dos en directo.

Niacin es un supergrupo formado por el virtuoso e increible bajista Billy Sheehan (Mr. Big, Talas o Steve Vai), el teclista John Novello (Chick Corea, Manhattan Transfer o Donna Summer) y en la batería Dennis Chambers (Jonh Scofield Band, Santana o Jhon McLaughlin) quien en 2001 fue incluido en el Modern Drummer Hall Of Fame, así que os podéis ir haciendo una idea de quien se encuentra al cargo de las baquetas. 

El nombre de Niacin proviene del órgano Hammond B3 que usa Novello, de manera que ellos juegan con la sigla B3, ya que ésta también es conocida como la vitamina B3 y cuyo nombre común es la Niacina.

El sonido del Hammond B3 es realmente distinguible, y durante mucho tiempo a finales de los 60 y durante los 70, si no tenías un B3 en tu banda, básicamente no tenías suerte como grupo, así que todo el mundo que se dedicara al rock tenía que tener uno. 

Niacin están claramente influenciados por grupos como King Crimson, PFM, Gentle Giant, Genesis y ELP. Pero lo que les hace realmente exquisitos además, es la influencia del género del jazz fusion de grupos como The Weather Report o Return To Forever, o del hard rock de los británicos Deep Purple, de manera que esta amalgama de estilos produce un auténtico placer para todos los sentidos. 

En el año 2000 editan Deep e invitan a Glenn Hughes (Deep Purple) como vocalista añadiendo además a Steve Lukather (Toto) a la guitarra para componer el penúltimo tema del disco llamado 'Things Ain't Like They Used To Be'. Disco este que tiene piezas que me recuerdan mucho al fallecido Jon Lord en cortes como 'Blue Mondo'

Dos años después publican Time Cruch su quinto trabajo (cuarto en estudio), y en su cuarto track se marcan un delicioso cover de 'Red' de King Crimson, así que os podéis ir haciendo una idea del tipo de supergrupo que estoy hablando.

A día de hoy me es muy difícil destacar un álbum en particular porque todos son de un nivel sublime. Lo que te recomiendo es que empieces por el primero y vayas pasando etapas hasta llegar a Krush, último L.P de estos tres genios publicado en 2013.

Lo que sí tengo claro es que si eres un amante de los teclados debes tener toda la discografía de los estadounidenses Niacin, con la ventaja añadida de que la producción hará que no te pierdas ni una nota y te empapes al 100% de su exquisita música.

Actualmente Niacin está compuesto por:
Dennis Cambers / Batería
John Novello / Teclados
Billy Sheehan / Bajo

Niacin - (USA)
DISCO: "Organik".- 2005
TEMA: Repeat Offender

Earthside

¿Qué sucede si mezclas una orquesta sinfónica de estudio (la de Moscú para más señas), junto a un cuarteto de músicos titulados en escuelas de música como Berklee, lincenciados en música por la universidad de Yale, o graduados en la universidad de Hartford a los que les atrae el género del Metal Progresivo?. Pues que puede salir cualquier engendro, de donde en mayor porcentaje lo normal es que sea un totum revolutum que pase sin pena ni gloria.

Hecha esta leve introducción, cabe destacar que la banda elegida para la entrada de hoy solo tiene un trabajo publicado. Su ópera prima se titula A Dream In Static (2015) y como ellos definen en su web: "es una creación colectiva que juega un estilo de absorción de la música progresiva moderna que catalogamos como rock cinematográfico".

Este primer trabajo de Earthside, es una historia de sacrificio con propósito y anhelo existencial a través de movimientos instrumentales entretejidos con composiciones vocales a cargo de invitados especiales, como son Lajon Witherspoon de Sevendust, Björn Strid de Soilwork, Daniel Tompkins de Tesseract, y Eric Zirlinger Face The King.

El disco fue grabado en Estocolmo, bajo la vigilancia del reconocido productor e ingeniero David Castillo (Opeth, Katatonia,)  y la masterización de Jens Bogren (Opeth, Leprous).

Esto es sin duda una de las claves principales del éxito que ha tenido este primer álbum de los norteamericanos Earthside, ya que hay tanta cantidad de notas que asimilar que si la producción no está a un nivel excelso acabaríamos sobresaturados, máxime si añadimos que ya de por sí las construcciones son complejas y densas incluso para los fieles seguidores del género.

Para mí este disco tiene ciertos puntos de 'djent' aunque bebe de influencias muy variadas.
Los tonos, las texturas, las atmósferas, los estilos y la ejecución general de diferentes géneros y subgéneros, pasando por el jazz a través de prog. clásico e incluso con algo de death metal melódico. Pero para mi modesto entender lo más importante de Earthside es aunar todos estos elementos haciendo que fluyan en total sintonía, algo que es altamente complejo de conseguir sin caer en la pomposidad, y sin olvidar que hay mucha orquestación que encajar, y eso está al alcance de muy pocos. Como muestra de ello, lo mejor es deleitarse con el segundo corte llamado 'Mob Mentality'.

Este A Dream In Static engloba 8 temas de los cuales cuatro son instrumentales y el resto cuenta con las voces de los invitados que cité al principio de la entrada. De entre estos me gustaría destacar el tercer tema interpretado por Tompkings y que da nombre al álbum.

Otro factor que me ha sorprendido bastante es que tienen publicado su trabajo íntegro en bandcamp, de manera que lo puedes oír de manera gratuita aquí.

Ah, y ojo con la suite, 'Contemplation Of The Beautiful' que cierra tan majestuosa obra porque tiene muchas capas que descubrir.

Actualmente Earthside está compuesto por:

- Ben Shanbrom / Batería y voces
- Frank Sacramone / Teclados
- Ryan Griffin / Bajo
- Jamie van Dyck / Guitarras y voces





Earthside - (USA)
DISCO: "A Dream In Static".- 2015
TEMA: A Dream In Static

Jardín de la Croix

Con el recientemente estrenado Circadia, los madrileños Jardín de la Croix han dado una vuelta de tuerca más a sus laberínticas composiciones. Por primera vez en su discografía añaden los teclados de manera notable como instrumento, y lo hacen de manera sublime y como parte principal de la estructura de los temas.

Englobados principalmente dentro del género del Math Rock, este cuarteto también ha experimentado con el Rock Progresivo y con el Post Rock sobre todo dentro de este Circadia, su cuarto y último trabajo.

No es fácil encontrar bandas que te hagan una propuesta tan adictiva dentro de este género, máxime siendo todos sus temas instrumentales, por lo que aún tiene más mérito que te sepan reclutar desde los primeros acordes.

Jardín de la Croix surgieron en el año 2007. Ander Carballo (guitarra/teclados) e Israel Arias (batería) se conocían desde la infancia. Posteriormente reclutarían a otro guitarrista, Pablo Rodríguez, y a las 4 cuerdas a Hugo Casqueiro para convertirse en cuarteto.

En 2008 publicarían su primer trabajo titulado Pomeroy, disco autoproducido donde el rock progresivo de los 70/80 tiene mucho protagonismo en sus composiciones. No es raro oír guiños a los canadienses RUSH en temas como 'Polyhedrom' o 'Jesse Harding', o que algún pasaje nos recuerden a los británicos YES.

Pomeroy consta de 7 temas y es su primer álbum conceptual (en realidad todos ellos lo son pues giran entorno a una temática en particular) . El guión elegido en que se basaron para su ópera prima trata sobre:

Jesse Harding Pomeroy, que fue un niño que desde muy temprana edad se dedicaba a secuestrar a compañeros del colegio, torturarlos y masturbarse mientras lo hacia. Su siguiente paso fue cometer innumerables asesinatos hasta que él mismo se entregó a la policía argumentando que el diablo estaba en su interior y que no lo podía controlar. Pasó el resto de su vida en la cárcel y fue un caso de estudio para muchos psicólogos y criminólogos del siglo XIX.

Cabe destacar que este álbum debut tuvo que ser reeditado después de haber vendido las primeras y únicas 1.000 copias físicas fabricadas a tal efecto, así que ya se dejaba entrever que si había continuidad en la banda, estos chavales podían llegar a hacerse un hueco dentro del panorama no solo a nivel nacional si no también más allá de nuestro territorio.

Ya metidos en 2011 publican su segunda obra bautizada como Ocean Cosmonaut, CD que a fecha de hoy me sigue enganchando desde el primer track. En este trabajo las composiciones se alejan del disco anterior dando paso a un mayor uso del tapping, en el que tanto Ander como Pablo se "doblan" haciendo que las notas se multipliquen de manera exponencial, o cuando mientras una guitarra interpreta arpegios en armonía, la otra produce riffs distorsionados. Todo ello siempre apoyado y dirigido por una base rítmica compleja con numerosos cambios de ritmo y contratiempos inimaginables. Es en este disco donde más los englobo dentro del género Math Rock.

Este estilo de componer queda bien patente en temas como 'Island of Atlas' o 'Blacksnout Seasnail'.

Pues bien, volviendo a su segundo trabajo decir que es un disco extenso de 8 temas donde cuentan con la incorporación de un nuevo bajista, ya que Carlos Schonert entra en lugar de Hugo Casqueiro.

Ocean Cosmonaut está inspirado en el concepto de:

El antagonismo entre la búsqueda espacial y lo más profundo del mar. Un viaje por las profundidades marinas más extremas donde todo está por descubrir. -Está más explorado el espacio que las profundidades más oscuras de la fosa de las marianas-, de donde por cada inmersión que se hace, descubren nuevas especies y secretos del universo. Un mundo dentro del nuestro todavía por descubrir.

Con estos dos trabajos tienen material suficiente para girar no solo por Madrid si no por el resto de España, siendo además invitados en varios festivales y teloneando a grupos internacionales de renombre como Maybeshewill, Alcest o Caspian, incluso a los mismísimos y aclamados Toundra, producto también made in Spain.

A estas alturas Jardín de la Croix cuenta con un número fiel de seguidores que llena las salas donde tocan. Pero no contentos con mostrar su talento en directo, se embarcan dos años después en su tercer y más ambicioso proyecto hasta la fecha.

187 Steps To Cross The Universe (2013) si bien es un E.P. de sólo 4 temas, cuenta con una densidad contundente, de manera que cada uno de los cuatro tracks es capaz de condensar de forma sublime todo el talento que tienen, no ya solo a nivel compositivo, si no a nivel individual.

Todos los cortes son de un nivel excelso, no hay valles porque son incapaces de bajarse de la cumbre.

Cierto es que ayuda y mucho la notable producción que tiene este trabajo, no hay que olvidar que no es fácil conseguir una buena gama dinámica que te permita oír cada uno de los dibujos que nos proponen, ya que hay tanta información en sus estructuras que es fácil perderse algunas líneas de bajo por una distorsión de guitarra o elegantes armonías de tapping si no se ha sabido mezclar y masterizar como debiera. En este caso tiraron la casa por la ventana y partieron a Suecia para que Jens Brogen (ingeniero de Haken, Opeth o Between The Buried And Me entre otros) diera su toque final.

Para mi gusto y el de muchos críticos, el disco es sobresaliente y si tengo que destacar algún tema en particular lo hago por su segunda propuesta 'Topsy's Revenge', seguido muy de cerca por 'Talking With Planets', donde por primera vez usan orquestación y leves notas de piano al comienzo del tema.

Mención aparte tiene el espectacular Art Work de Alonso Urbanos, donde podemos adivinar con esas dos torres en que se basa esta auténtica joya.

187 Steps... está inspirado en el genial inventor Nikola Tesla el cual con sus inventos revolucionó el mundo moderno tal cual lo conocemos hoy en día. Fue ninguneado y relegado al olvido por su afán de hacer un mundo mejor para la humanidad, mas limpio y con energía gratis para todos. Algo que los lobbies de la energía no podían permitir.

Como era de esperar, este tercer trabajo ha sido el que les ha dado el empujón definitivo para fichar por una productora con mayor músculo como es Aloud Music, teniendo que dejar a Noma Records después de tanto tiempo.

Para ayudarse más aún en la difusión del álbum, hicieron un videoclip del tema 'Colorado Springs' que además entró a formar parte de un concurso. Aquí puedes verlo.

Pero no solo queda aquí el nivel que han alcanzado, ya que hasta la prestigiosa marca alemana de instrumentos de percusión SONOR ha fichado a Israel para que éste pueda renovar su set.

Set que ha podido estrenar en estudio con el recién editado cuarto trabajo acuñado como Circadia, el cual contiene 6 temas y donde como comentaba al comienzo de la entrada, los teclados dan un toque distinto a lo anteriormente publicado, añadiendo además que Carlos Schonert tiene que dejar la banda para dar paso a Nacho Hernández quien tiene un estilo diferente a la hora de tocar el bajo.

En este proyecto noto que el desarrollo de los temas es más clásico, con mayores cadencias que hacen que aunque siga habiendo muchas capas que descubrir, el acceso a ellas sea más liviano y con más pausas, dándose un mayor espacio entre ellos, aunque te obligue como siempre a dedicar todos tus sentidos si realmente quieres descifrar el mensaje que nos proponen.

Buena muestra de ello es el cuarto tema llamado 'Green Architect', donde de manera muy sutil van superponiendo notas para ir formando melodías con unas líneas de bajo de Nacho -quien toca con púa- y una percusión exquisita de Israel, hasta que Pablo rompe la hegemonía para dar rienda suelta a un riff demoledor, no sin que Ander a los teclados responda entrando en el ecuador del tema para ponerse como eje principal y verdadero arquitecto de la composición. Es aquí donde se muestra la madurez de Jardín de la Croix, cuando dejan un interludio para un solo de piano o batería con el resto en espera para luego entrar y seguir con el desarrollo inicial. Es un exponente de que han sabido llegar al equilibrio entre todo su potencial como músicos y como compositores.

Otra muestra más de que han sabido arriesgar sobremanera es en el último corte llamado 'Flowers and Carrion', donde arrancan con unos dibujos de teclado en solitario apoyándose luego del estilo dubstep como base rítmica, para un minuto después enlazar muy brillantemente con la percusión convencional de Israel, quien sabe sacarle todo el partido a su batería. Para mí, el broche final del disco que te sigue dejando con un bouquet que pide más y más.

No creo equivocarme si digo que estos cuatro musicazos aún no han tocado techo, así que crucemos los dedos porque sigan unidos y nos continúen deleitando con sus increíbles composiciones.

En este trabajo la producción es mejor aún y en ella participan tanto Aloud Music como Lars Gravacions. Es más, si eres un fan de los discos puedes adquirirlo en Vinilo de 180 grs.

Para esta obra la trama elegida trata sobre:

Crear un universo regido por los ritmos circadianos, donde mandan 6 animales increíbles que son capaces de controlar el tiempo a su antojo. Son los auténticos amos del tiempo. La cigarra, la medusa inmortal, el cangrejo soldado, el tejo, el caribú y la flor cadáver, son el ejemplo de ello.

Por lo pronto estamos de enhorabuena ya que el próximo 21 de Enero presentarán Circadia en la sala Caracol de Madrid, así que yo ya me lo apunto en mi agenda, a tiempo estás tú de hacer lo mismo en la tuya.

Actualmente Jardín de la Croix son:

• Ander Carballo - Guitarra/Teclados
• Israel Arias - Percusión
• Pablo Rodríguez - Guitarra
• Nacho Henández - Bajo

Jardín de la Croix - (España)
DISCO: "187 Steps To Cross The Universe".- 2013
TEMA: Talking With Planets (Studio Live)

Opeth

En la entrada de hoy, la banda elegida no resulta fácil de encasillar si nos fijamos en la evolución que ha tenido su discografía desde su primer L.P. Orchid editado en 1995, y el recién estrenado Sorceress de 2016.

Opeth es un grupo sueco cuya primera formación nació en el año 1991, y que en el presente solo Mikael Åkerfeldt se mantiene como superviviente y frontman de la formación original.

En los inicios y mediados de su carrera, el estilo musical que más predomina es el de los géneros catalogados como Death y Doom Metal Progresivo, donde los guturales predominan en la voz de Mikael, y los riffs de guitarra tienen una marcada tonalidad grave y oscura.

Personalmente esta etapa de ellos es la que menos me interesa, ya que estos géneros musicales y los guturales sobre todo no son estilos que me atraigan, por este factor la voy a dejar de lado y me voy a centrar más en la época que abarca los álbumes editados desde 2011 en adelante.

Antes de adentrarme en esta época, no debo pasar por alto su séptimo L.P. bautizado como Damnation editado en 2003, ya que es el primer trabajo en el que Opeth dan un giro radical a sus composiciones, alejándose totalmente de lo anteriormente publicado, para presentarnos un disco con claros tintes dentro del género del rock sinfónico progresivo de los años 70.

Mencionar, que este disco les conllevó un buen número de críticas por parte de sus fans, debido a que se sintieron decepcionados por el cambio tan brusco en sus estructuras.

Damnation es una maravilla de trabajo que rompe con lo establecido hasta ese momento, y que hizo que muchos entre los que me encuentro nos fijáramos por primera vez en Opeth.

Como curiosidad añadir que este disco es el segundo que produce con ellos el prolífico Steven Wilson, ya que la primera vez que colaboró con el grupo fue en el quinto long play de su discografía, titulado Blackwater Park (2001). Trabajo con el que consiguieron captar a un buen número de seguidores.

Bien, pues es en su décimo álbum Heritage (2011) cuando entramos ya en la época más claramente definida de Opeth dentro del Rock/Metal Progresivo.

Parece evidente que Wilson tiene mucho que ver ya que vuelve a estar dentro del proyecto, poniendo todo su talento en lo que a las mezclas se refiere. Esta vez la producción ha sido delegada a Jens Bogren quien ya había trabajado con ellos en discos anteriores como Ghost Reveries (2005).

Tres años después vuelven a publicar trabajo en estudio, este sale con el título de Pale Communion, y esta vez el productor es el mismo Mikael Åkerfeldt, y Wilson repite tras los faders.

Este disco es una auténtica delicia de escuchar tanto en estéreo, como en un sistema de sonido envolvente -si podéis daros ese placer- porque la escucha gana muchos enteros.

Este trabajo es el más intimista de la banda, de hecho las letras están inspiradas en la vida del propio Mikael.

De este disco quiero destacar sobremanera la impresionante percusión de Martin Axenrot y los teclados de Joakim Svalberg. Fue oir su primer corte 'Eternal Rains Will Come' y quedarme atrapado en esa genial atmósfera de rock clásico sinfónico, apoyado con unos coros geniales y seguidos de unos riffs de marcado estilo oriental que te van llevando por todo el desarrollo del tema.

Pale Communion es un disco de 10 sobre 10, donde Opeth demuestran todo su atrevimiento y potencial, con temas tan geniales como 'Moon Above, Sun Below', el de mayor duración de todos, que cuenta con unos cambios de ritmo y una base que te atrapa desde el primer acorde, a parte de que los estribillos son fuertemente pegadizos.

Con Sorceress (2016) lo han vuelto a conseguir otra vez, pareciera que el título (Hechicera) fuera algo premonitorio, porque es otra joya para tener en tu discografía.

Eso sí, en este caso Sorceress lo identifico más dentro del metal progresivo que del rock clásico que venían componiendo en sus dos discos anteriores.

En la actualidad Opeth son:

• Mikael Åkerfeldt - (guitarra/voces)
• Martin Axenrot - (percusión)
• Joakim Svalberg - (teclados)
• Martin Mández - (bajo)
• Fredrik Åkesson - (guitarra)

Opeth - (Suecia)
DISCO: "Pale Communion".- 2014
TEMA: Faith In Others

TesseracT

TesseracT son una banda de metal progresivo originarios de Reino Unido cuyas composiciones cuentan con un marcado toque Djent y Math Rock.

Se fundaron en 2003 y hasta que publicaron su primer L.P. One  (2011) se dedicaron a tocar temas propios en diferentes escenarios de su país.

 Durante este periodo de tiempo la banda sufrió varios cambios, sobre todo a nivel vocal ya que la base musical se ha mantenido más constante y apenas sufrió modificaciones en sus miembros desde el principio de su formación.


En 2010 editaron un E.P. llamado Concealling Fate que contenía una suite compuesta por 6 temas. Se trataba de un adelanto del L.P. que publicarían al año siguiente, ya que este era uno de los temas incluidos en One. 

En 2012 sacarían otro E.P. nombrado Perspective , inspirado en unas sesiones acústicas que hicieron un año antes en una emisora de radio de Brooklyn (N.York).
Con estos trabajos ya editados, se echaron a la carretera y participaron en varios festivales  europeos, lo que les dio la oportunidad de tocar con bandas ya consagradas e ir captando nuevos seguidores.

 Seguidores que nos quedamos alucinados con su segundo trabajo de larga duración, Altered State (2013) y que hizo que muchos medios escribieran muy buenas críticas de él.

Como curiosidad  decir que la batería es casi toda programada por Acle Kanhney (guitarrista) y tocada por el batería Jay Postones en un kit digital.
Merece la pena darle un buen repaso a este disco porque  derrocha calidad a raudales.




  
El último L.P. de TesseracT salió el año pasado, lo bautizaron como Polaris  y supuso la vuelta de Daniel Tompkings al micrófono, en lugar de Ashe O'Hara quien abandonó la banda en 2014. Tompkings  ya grabó One para luego dejar el grupo y dar paso a Elliot Coleman.

Polaris es su trabajo más sólido, con una mejor producción y donde los cambios de ritmo se suceden continuamente, quizás sea el que tenga menos sonido Djent de los tres.
Desde mi punto de vista echo de menos los coros y la armonía de Altered State, aunque temas como “Tourniquet” sean la excepción que confirma la regla y me hagan recordar en muchos pasajes a sus compatriotas, Porcupine Tree o Anathema.

Actualmente TesseracT son:

•    Alec "Acle" Kahney – guitarra
•    Jay Postones – batería
•    James 'Metal' Monteith – guitarra rítmica
•    Amos Williams – bajo
•    Daniel Tompkins – vocalista

A fecha de esta publicación el último trabajo a la venta de TesseracT es otro E.P. llamado Errai   sacado este año 2016, que consta de 4 temas remezclados de Polaris.

De entre todos los trabajos de estos británicos me he decidido por el 4º tema extraído de su L.P. Altered State, del que para mí es su mejor disco publicado hasta la fecha.

Enjoy It!!

TesseracT- (Reino Unido)
DISCO: "Altered State".- 2013
TEMA: Nocturne

Huis

Seguro que habrá muchos lectores que no hayan oído hablar nunca de esta banda Canadiense, ya que hasta la fecha solo han publicado dos trabajos de larga duración y además no han sido muy comentados en los portales del género, así que vamos a darles algo de difusión porque se lo merecen.

Tanto Despite  Guardian Angels (2014) como  el recientemente publicado Neither in Heaven son  excelentes discos que merece mucho la pena tener en tu discografía, y dudo mucho que me equivoque si te digo que el primer LP de ellos puede ser el nuevo sustituto de tu disco de cabecera de este verano de 2016.

Huis son una banda de la zona francófona de Canadá, está compuesta por 5 músicos capaces de crear unas composiciones superlativas dentro del género del neoprogresivo.

Si  afirmo que ninguno de los temas de los dos discos tiene desperdicio seguro que muchos coincidiréis conmigo. 'Beyond The Amstel' es el primer corte con el que se dan a conocer en su primer álbum, y lo primero que me ha recordado es a sus compatriotas Mystery ya que su sonido es muy parecido, claro que eso tiene su explicación, ya que dentro de Huis hay una importante pieza de Mystery, el brillante guitarrista Michel St-Père.

Este Despite Guardian Angels contiene 11 tracks de los cuales 3 son intrumentales, y ojo porque vaya tres auténticas maravillas han creado estos canadienses. La primera de ellas 'Haunted Nights' va enclavada en segunda posición y dudo mucho que los teclados de Pascal Lapierre no te pongan la piel de gallina en los solo 3' que dura este tema, todo ello acompañado por una base rítmica genial y una producción exquisita.

A partir de aquí van transcurriendo los temas con notable fluidez sin bajar en ningún momento el nivel previamente mostrado, así que cuando llevamos cerca de 11' arranca 'The Last Jurney', tercer corte que cuenta con una leve atmósfera oriental y una voz exquisita de Sylvain Descôteaux, todo ello acompañado por unos coros y unas guitarras con unos riffs de grandísimo nivel, un auténtico temazo que te obliga a ajustarte los auriculares lo máximo posible para no perderte ni el más leve matiz.

Cuidado no te despistes que viene el segundo instrumental, 'Oude Kerk 1' donde si aún no te habían dado escalofríos las guitarras de Michel St-Père y los teclados de Pascal, aquí necesitarás ponerte algo de abrigo porque ojo a los los 6' que vienen, pura magia de principio a fin.

Como no quiero alargarme en exceso, prefiero que te encargues tú de elegir cual de los 11 es el mejor tema de este discazo, yo me quedo con varios pero si tengo que destacar uno, eligo  'If by Morning'.

Sobre su reciente Neither in Heaven publicado en la primavera de este 2016, señalar que esta obra cuenta con 10 temas de los cuales también 3 son intrumentales y curiosamente abren el álbum con uno de ellos de título homónimo al mismo y a modo de pequeña introducción, para enlazar con 'Synesthesia' que con más de 13' deja bien claro que el listón sigue siendo muy alto.

Impresionante es decir poco, con una voz genial de Sylvain junto a unos riffs de guitarra de Michel y una percusión no menos buena de Willian Régnier. Pero cuidado, por que no hemos acabado de secarnos las lágrimas y entra su segundo instrumental 'Insane' con una base más pesada y unas guitarras acústicas y unas líneas de bajo de Michel Joncas muy de la onda  de los tambien canadienses RUSH.

Este segundo disco lo encuentro con más melodías que el anterior, sigue siendo muy progresivo pero también tiene muy buenos guiños al género AOR. Por supuesto sigue recordándome a Mystery en muchos pasajes, y para no variar la producción es brillante, así que te hace disfrutar de el desde el primer minuto.

Lo que más me ha sorprendido de este Neither in Heaven es lo bien agrupadas que están el orden de las canciones, en ningún momento me dejan tomar respiro, van aumententado mis espectativas conforme van pasando los temas, y cuando llegas al antepenúltimo corte no puedes creer lo que estás oyendo. 'Memories' es una balada a medio tiempo con unos cambios que me recuerdan tanto a IQ como Pink Floyd, con un punteo de guitarra al final del mismo, que es de los mejores que he oido en muchos años, sin duda un auténtico incunable.

Lo cierto es que me he llevado una grata sorpresa con estos genios, así que ¿cómo no iba a estar incluido en este blog?.

Estoy convencido de que Huis os van a gustar al 99.9% de vosotros cuando los oigáis.

Actualmente Huis lo integran: 

MICHEL ST-PÈRE - Guitarras

JOHNNY MAZ - Teclados

SYLVAIN DESCÔTEAUX -Voces y teclados

WILLIAM RÉGNIER - Percusión

MICHEL JONCAS - Bajo

Huis- (Canadá)>
DISCO: "Neither In Heaven".- 2016
TEMA: Memories

Gordian Knot

Gordian Knot es el proyecto en solitario de uno de los bajistas más destacados del metal progresivo contemporáneo. Su creador es Sean Malone y aunque este pertenece a una banda de renombre como es Cynic, para dejar volar sus inquietudes más relacionadas con el género del metal, jazz y su fusión con el mismo, creó este proyecto del que hasta la fecha solo hay dos álbumes publicados.

El primero se llamó Gordian Knot y fue editado en 1999, es enteramente instrumental y cuenta con  artistas invitados de primerísimo nivel como son John Myung (Dream Theater), Sean Reinert (Cynic) o Adan Levy (Norah Jones). Este es un trabajo donde Malone juega en algunos cortes con bases rítmicas folclóricas, el mejor jazz con marcada influencia de Pat Metheny, o temas con mucho regusto al estilo inconfundible de Joe Satriani, todos ellos bien engrasados tanto por el bajo sin trastes de el mismo Malone, como por el de seis cuerdas del maestro Myung.




De este primer disco me gustaría destacar el segundo corte 'Anticode', seguido de 'Reflections', 'Singularity' ocupando el quinto orden, y la maravillosa e indescriptible 'Redemption's Way' en sexto lugar.

Después de un impás de tres años publicó su última entrega 'Emergent' (2003), y si antes se supo aliar con músicos de primer orden, para este disco contó con la colaboración de Steve Hackett (Genesis), Bill Brufford (King Crimson, Yes, entre otros), Jim Matheos (OSI), a parte de compañeros suyos de Cynic como Paul Masvidal o Reinert. Como veréis este hombre sabe muy bien con quien codearse.



Este álbum es más experimental que el anterior, es más denso de escuchar, y las bases rítmicas son más marcadas que en su disco debut. Las guitarras acústicas y eléctricas de Hackett te embaucarán, al igual que la batería del maestro Brufford, llena de continuos cambios.

Este trabajo es para oídos entrenados en el género del free jazz y metal fusion, todo ello sumado a un sonido más Djent, lo que hace que los riffs sean más complejos y de gran virtuosismo, además de que la base rítmica es mucho más pesada y rica en matices. Un disco de obligada adquisición si te gustan los géneros mencionados.

De este Emergent, es muy difícil destacar temas en particular ya que todos son brillantes. Aún así me voy a mojar y voy a sacar a relucir el tercer corte 'A Shaman's Whisper' por mencionar alguno, pero como digo son todos a cual mejor.



Crucemos los dedos para que el amigo Sean Malone se ponga el mono de trabajo y nos deleite con otro LP, que ya han pasado 13 largos años...


Press Play & Enjoy It!!




Gordian Knot- (EEUU)
DISCO: "Emergent".- 2003
TEMA: A Shaman's Whisper

Neal Morse

El personaje invitado para la entrada de hoy es un multi-instrumentista californiano, que desde que nació hace ya 56 años, se ha visto siempre envuelto en un ambiente muy creativo, musicalmente hablando, ya que a la temprana edad de los 5 años recibía clases de piano para más tarde introducirse en el aprendizaje de la guitarra.

Esto de estar rodeado de música le viene de familia, ya que su padre era director de coro y su hermano Alan y Steve también tocaban la guitarra.

Ya en su época juvenil después de hacer varios intentos por formar su propia banda junto a su hermano Alan, se dio cuenta de que no era nada fácil. Curiosamente el género que más le gustaba en sus primeros años era el Pop-Rock, y decepcionado por ver que no conseguía despuntar y cansado de las pocas oportunidades que le daba la ciudad de Los Angeles, decidió emigrar y aterrizar en Europa donde pasó unos años haciendo actuaciones en pequeñas salas, e incluso por las calles para poder pagarse su manutención.

Entrado en la treintena volvió a los EEUU y formó junto con su hermano Alan (guitarra), David Meros (bajo) y Nick de D'Virgilio (batería) el grupo de rock progresivo Spock's Beards allá por 1995, cuyo primer disco fue acuñado como The Light.

Este primer trabajo fue muy bien recibido por la crítica del género. Posteriormente publicaron 4 díscos más a cual más interesante, así que llegaron a los oídos del polifacético Mike Portnoy (batería de Dream Theater) quien les invitó a que giraran con ellos en el año 2.000.

Fue en este mismo año en el que Portnoy y nuestro invitado crean una super-banda llamada Transatlantic junto a otros dos pedazos de músicos del progresivo como son Trewavas (bajista de Marillion) y Roine Stolt (guitarrista de The Flower Kings).
A estas alturas nuestro personaje -Neal Morse- ya se encuentra en dos grandes bandas, ya que Transatlantic y su primer trabajo SMPT fue un auténtico superventas.

Dos años después y con seis discos editados con Spocks's Beards (su último con ellos fue con el álbum Snow) abandonó la formación para publicar su primer trabajo en solitario Testimony (2003). Un año antes se hizo fiel seguidor del cristianismo causado por la milagrosa recuperación de su hija Jayda, quien tuvo que someterse a una operación a corazón abierto dónde los médicos no le daban practicamente ninguna oportunidad de seguir con vida. Es a raíz de este incidente cuando todas sus letras giran alrededor de la temática religiosa.

Con Transantlantic ha colaborado en tres discos más -el último en 2014-, todos ellos muy recomendables.

Aún así y con toda la carga de trabajo entre giras y composiciones para nuevos álbumes, saca tiempo para apuntarse a un nuevo proyecto en 2012 y ser partícipe del nacimiento de Flying Colors, otro super-grupo que cuenta con el a los teclados y Portnoy en la percusión, además de su otro hermano Steve Morse en la guitarra y de Dave LaRue al bajo.

Tanto en solitario como con su Neal Morse Band tiene en la actualidad más de 20 trabajos entre directos, sesiones y discos acústicos de entre los cuales hay algunos como Songs From The Highway (2007), con estructuras musicales muy diferentes al género progresivo.

De todos los trabajos en solitario de este prolífico músico hay cuatro que me gustaría destacar:
Question Mark (2005), Sola Scriptura (2007), Testimony II (2011), Momentum (2012) y el último, The Grand Experiment, editado el año pasado.

Sin duda el genio de Neal Morse es uno de los pilares actuales del rock progresivo y neo-progresivo, y además ha tenido la valía de saber rodearse de muy buenos músicos para dar forma a su proyecto.
Actualmente cuenta con :

- Randy George / bajo
- Mike Portnoy / batería
- Bill Hubauer / clarinete, flauta, teclados y guitarra
- Eric Gillette / voces

Para ir terminando y después de darle muchas vueltas, me he decido por este tema de entre su extensa y maravillosa obra.
Lo aconsejable es dejar que fluya para que puedas admirar su gran calidad compositiva.

Neal Morse- (EEUU)
DISCO: "Momentum".- 2012
TEMA: Thoughts, Part 5