sábado, 5 de noviembre de 2016

Jardín de la Croix



Con el recientemente estrenado Circadia, los madrileños Jardín de la Croix han dado una vuelta de tuerca más a sus laberínticas composiciones. Por primera vez en su discografía añaden los teclados de manera notable como instrumento, y lo hacen de manera sublime y como parte principal de la estructura de los temas.

Englobados principalmente dentro del género del Math Rock, este cuarteto también ha experimentado con el Rock Progresivo y con el Post Rock sobre todo dentro de este Circadia, su cuarto y último trabajo.

No es fácil encontrar bandas que te hagan una propuesta tan adictiva dentro de este género, máxime siendo todos sus temas instrumentales, por lo que aún tiene más mérito que te sepan reclutar desde los primeros acordes.

Jardín de la Croix surgieron en el año 2007. Ander Carballo (guitarra/teclados) e Israel Arias (batería) se conocían desde la infancia. Posteriormente reclutarían a otro guitarrista, Pablo Rodríguez, y a las 4 cuerdas a Hugo Casqueiro para convertirse en cuarteto.


En 2008 publicarían su primer trabajo titulado Pomeroy, disco autoproducido donde el rock progresivo de los 70/80 tiene mucho protagonismo en sus composiciones. No es raro oír guiños a los canadienses RUSH en temas como 'Polyhedrom' o 'Jesse Harding', o que algún pasaje nos recuerden a los británicos YES.

Pomeroy consta de 7 temas y es su primer álbum conceptual (en realidad todos ellos lo son pues giran entorno a una temática en particular) . El guión elegido en que se basaron para su ópera prima trata sobre:





Jesse Harding Pomeroy, que fue un niño que desde muy temprana edad se dedicaba a secuestrar a compañeros del colegio, torturarlos y masturbarse mientras lo hacia. Su siguiente paso fue cometer innumerables asesinatos hasta que él mismo se entregó a la policía argumentando que el diablo estaba en su interior y que no lo podía controlar. Pasó el resto de su vida en la cárcel y fue un caso de estudio para muchos psicólogos y criminólogos del siglo XIX.

Cabe destacar que este álbum debut tuvo que ser reeditado después de haber vendido las primeras y únicas 1.000 copias físicas fabricadas a tal efecto, así que ya se dejaba entrever que si había continuidad en la banda, estos chavales podían llegar a hacerse un hueco dentro del panorama no solo a nivel nacional si no también más allá de nuestro territorio.

Ya metidos en 2011 publican su segunda obra bautizada como Ocean Cosmonaut, CD que a fecha de hoy me sigue enganchando desde el primer track. En este trabajo las composiciones se alejan del disco anterior dando paso a un mayor uso del tapping, en el que tanto Ander como Pablo se "doblan" haciendo que las notas se multipliquen de manera exponencial, o cuando mientras una guitarra interpreta arpegios en armonía, la otra produce riffs distorsionados. Todo ello siempre apoyado y dirigido por una base rítmica compleja con numerosos cambios de ritmo y contratiempos inimaginables. Es en este disco donde más los englobo dentro del género Math Rock.
Este estilo de componer queda bien patente en temas como 'Island of Atlas' o 'Blacksnout Seasnail'.


Pues bien, volviendo a su segundo trabajo decir que es un disco extenso de 8 temas donde cuentan con la incorporación de un nuevo bajista, ya que Carlos Schonert entra en lugar de Hugo Casqueiro.

Ocean Cosmonaut está inspirado en el concepto de:
El antagonismo entre la búsqueda espacial y lo más profundo del mar. Un viaje por las profundidades marinas más extremas donde todo está por descubrir. -Está más explorado el espacio que las profundidades más oscuras de la fosa de las marianas-, de donde por cada inmersión que se hace, descubren nuevas especies y secretos del universo. Un mundo dentro del nuestro todavía por descubrir.




Con estos dos trabajos tienen material suficiente para girar no solo por Madrid si no por el resto de España, siendo además invitados en varios festivales y teloneando a grupos internacionales de renombre como Maybeshewill, Alcest o Caspian, incluso a los mismísimos y aclamados Toundra, producto también made in Spain.

A estas alturas Jardín de la Croix cuenta con un número fiel de seguidores que llena las salas donde tocan. Pero no contentos con mostrar su talento en directo, se embarcan dos años después en su tercer y más ambicioso proyecto hasta la fecha.

187 Steps To Cross The Universe (2013) si bien es un E.P. de sólo 4 temas, cuenta con una densidad contundente, de manera que cada uno de los cuatro tracks es capaz de condensar de forma sublime todo el talento que tienen, no ya solo a nivel compositivo, si no a nivel individual.

Todos los cortes son de un nivel excelso, no hay valles porque son incapaces de bajarse de la cumbre.
Cierto es que ayuda y mucho la notable producción que tiene este trabajo, no hay que olvidar que no es fácil conseguir una buena gama dinámica que te permita oír cada uno de los dibujos que nos proponen, ya que hay tanta información en sus estructuras que es fácil perderse algunas líneas de bajo por una distorsión de guitarra o elegantes armonías de tapping si no se ha sabido mezclar y masterizar como debiera. En este caso tiraron la casa por la ventana y partieron a Suecia para que Jens Brogen (ingeniero de Haken, Opeth o Between The Buried And Me entre otros) diera su toque final.



Para mi gusto y el de muchos críticos, el disco es sobresaliente y si tengo que destacar algún tema en particular lo hago por su segunda propuesta 'Topsy's Revenge', seguido muy de cerca por 'Talking With Planets', donde por primera vez usan orquestación y leves notas de piano al comienzo del tema.
Mención aparte tiene el espectacular Art Work de Alonso Urbanos, donde podemos adivinar con esas dos torres en que se basa esta auténtica joya.






187 Steps... está inspirado en el genial inventor Nikola Tesla el cual con sus inventos revolucionó el mundo moderno tal cual lo conocemos hoy en día. Fue ninguneado y relegado al olvido por su afán de hacer un mundo mejor para la humanidad, mas limpio y con energía gratis para todos. Algo que los lobbies de la energía no podían permitir.

Como era de esperar, este tercer trabajo ha sido el que les ha dado el empujón definitivo para fichar por una productora con mayor músculo como es Aloud Music, teniendo que dejar a Noma Records después de tanto tiempo.
Para ayudarse más aún en la difusión del álbum, hicieron un videoclip del tema 'Colorado Springs' que además entró a formar parte de un concurso. Aquí puedes verlo.

Pero no solo queda aquí el nivel que han alcanzado, ya que hasta la prestigiosa marca alemana de instrumentos de percusión SONOR ha fichado a Israel para que éste pueda renovar su set.

Set que ha podido estrenar en estudio con el recién editado cuarto trabajo acuñado como Circadia, el cual contiene 6 temas y donde como comentaba al comienzo de la entrada, los teclados dan un toque distinto a lo anteriormente publicado, añadiendo además que Carlos Schonert tiene que dejar la banda para dar paso a Nacho Hernández quien tiene un estilo diferente a la hora de tocar el bajo.

En este proyecto noto que el desarrollo de los temas es más clásico, con mayores cadencias que hacen que aunque siga habiendo muchas capas que descubrir, el acceso a ellas sea más liviano y con más pausas, dándose un mayor espacio entre ellos, aunque te obligue como siempre a dedicar todos tus sentidos si realmente quieres descifrar el mensaje que nos proponen.


Buena muestra de ello es el cuarto tema llamado 'Green Architect', donde de manera muy sutil van superponiendo notas para ir formando melodías con unas líneas de bajo de Nacho -quien toca con púa- y una percusión exquisita de Israel, hasta que Pablo rompe la hegemonía para dar rienda suelta a un riff demoledor, no sin que Ander a los teclados responda entrando en el ecuador del tema para ponerse como eje principal y verdadero arquitecto de la composición. Es aquí donde se muestra la madurez de Jardín de la Croix, cuando dejan un interludio para un solo de piano o batería con el resto en espera para luego entrar y seguir con el desarrollo inicial. Es un exponente de que han sabido llegar al equilibrio entre todo su potencial como músicos y como compositores.



Otra muestra más de que han sabido arriesgar sobremanera es en el último corte llamado 'Flowers and Carrion', donde arrancan con unos dibujos de teclado en solitario apoyándose luego del estilo dubstep como base rítmica, para un minuto después enlazar muy brillantemente con la percusión convencional de Israel, quien sabe sacarle todo el partido a su batería. Para mí, el broche final del disco que te sigue dejando con un bouquet que pide más y más.

No creo equivocarme si digo que estos cuatro musicazos aún no han tocado techo, así que crucemos los dedos porque sigan unidos y nos continúen deleitando con sus increíbles composiciones.

En este trabajo la producción es mejor aún y en ella participan tanto Aloud Music como Lars Gravacions. Es más, si eres un fan de los discos puedes adquirirlo en Vinilo de 180 grs.

Para esta obra la trama elegida trata sobre:
Crear un universo regido por los ritmos circadianos, donde mandan 6 animales increíbles que son capaces de controlar el tiempo a su antojo. Son los auténticos amos del tiempo. La cigarra, la medusa inmortal, el cangrejo soldado, el tejo, el caribú y la flor cadáver, son el ejemplo de ello.

Por lo pronto estamos de enhorabuena ya que el próximo 21 de Enero presentarán Circadia en la sala Caracol de Madrid, así que yo ya me lo apunto en mi agenda, a tiempo estás tú de hacer lo mismo en la tuya.

Actualmente Jardín de la Croix son:

  • Ander Carballo - Guitarra/Teclados
  • Israel Arias - Percusión
  • Pablo Rodríguez - Guitarra
  • Nacho Henández - Bajo




Jardín de la Croix - (España)
DISCO: "187 Steps To Cross The Universe".- 2013
TEMA: Talking With Planets (Studio Live)


jueves, 6 de octubre de 2016

Opeth




En la entrada de hoy, la banda elegida no resulta fácil de encasillar si nos fijamos en la evolución que ha tenido su discografía desde su primer L.P. Orchid editado en 1995, y el recién estrenado Sorceress de 2016.

Opeth es un grupo sueco cuya primera formación nació en el año 1991, y que en el presente solo Mikael Åkerfeldt se mantiene como superviviente y frontman de la formación original.

En los inicios y mediados de su carrera, el estilo musical que más predomina es el de los géneros catalogados como Death y Doom Metal Progresivo, donde los guturales predominan en la voz de Mikael, y los riffs de guitarra tienen una marcada tonalidad grave y oscura.

Personalmente esta etapa de ellos es la que menos me interesa, ya que estos géneros musicales y los guturales sobre todo no son estilos que me atraigan, por este factor la voy a dejar de lado y me voy a centrar más en la época que abarca los álbumes editados desde 2011 en adelante.



Antes de adentrarme en esta época, no debo pasar por alto su séptimo L.P. bautizado como Damnation editado en 2003, ya que es el primer trabajo en el que Opeth dan un giro radical a sus composiciones, alejándose totalmente de lo anteriormente publicado, para presentarnos un disco con claros tintes dentro del género del rock sinfónico progresivo de los años 70.

Mencionar, que este disco les conllevó un buen número de críticas por parte de sus fans, debido a que se sintieron decepcionados por el cambio tan brusco en sus estructuras.




Damnation es una maravilla de trabajo que rompe con lo establecido hasta ese momento, y que hizo que muchos entre los que me encuentro nos fijáramos por primera vez en Opeth.

Como curiosidad añadir que este disco es el segundo que produce con ellos el prolífico Steven Wilson, ya que la primera vez que colaboró con el grupo fue en el quinto long play de su discografía, titulado Blackwater Park (2001). Trabajo con el que consiguieron captar a un buen número de seguidores.



Bien, pues es en su décimo álbum Heritage (2011) cuando entramos ya en la época más claramente definida de Opeth dentro del Rock/Metal Progresivo.

Parece evidente que Wilson tiene mucho que ver ya que vuelve a estar dentro del proyecto, poniendo todo su talento en lo que a las mezclas se refiere. Esta vez la producción ha sido delegada a Jens Bogren quien ya había trabajado con ellos en discos anteriores como Ghost Reveries (2005).






Tres años después vuelven a publicar trabajo en estudio, este sale con el título de Pale Communion, y esta vez el productor es el mismo Mikael Åkerfeldt, y Wilson repite tras los faders.
Este disco es una auténtica delicia de escuchar tanto en estéreo, como en un sistema de sonido envolvente -si podéis daros ese placer- porque la escucha gana muchos enteros.

Este trabajo es el más intimista de la banda, de hecho las letras están inspiradas en la vida del propio Mikael.
De este disco quiero destacar sobremanera la impresionante percusión de Martin Axenrot y los teclados de Joakim Svalberg. Fue oir su primer corte 'Eternal Rains Will Come' y quedarme atrapado en esa genial atmósfera de rock clásico sinfónico, apoyado con unos coros geniales y seguidos de unos riffs de marcado estilo oriental que te van llevando por todo el desarrollo del tema.





Pale Communion es un disco de 10 sobre 10, donde Opeth demuestran todo su atrevimiento y potencial, con temas tan geniales como 'Moon Above, Sun Below', el de mayor duración de todos, que cuenta con unos cambios de ritmo y una base que te atrapa desde el primer acorde, a parte de que los estribillos son fuertemente pegadizos.







Con Sorceress (2016) lo han vuelto a conseguir otra vez, pareciera que el título (Hechicera) fuera algo premonitorio, porque es otra joya para tener en tu discografía.

Eso sí, en este caso Sorceress lo identifico más dentro del metal progresivo que del rock clásico que venían componiendo en sus dos discos anteriores.

En la actualidad Opeth son:

  • Mikael Åkerfeldt - (guitarra/voces)
  • Martin Axenrot - (percusión)
  • Joakim Svalberg - (teclados)
  • Martin Mández - (bajo)
  • Fredrik Åkesson - (guitarra)




Opeth - (Suecia)
DISCO: "Pale Communion".- 2014
TEMA: Faith In Others


martes, 20 de septiembre de 2016

TesseracT



TesseracT son una banda de metal progresivo originarios de Reino Unido cuyas composiciones cuentan con un marcado toque Djent y Math Rock.

Se fundaron en 2003 y hasta que publicaron su primer L.P. One  (2011) se dedicaron a tocar temas propios en diferentes escenarios de su país.





 Durante este periodo de tiempo la banda sufrió varios cambios, sobre todo a nivel vocal ya que la base musical se ha mantenido más constante y apenas sufrió modificaciones en sus miembros desde el principio de su formación.


En 2010 editaron un E.P. llamado Concealling Fate que contenía una suite compuesta por 6 temas. Se trataba de un adelanto del L.P. que publicarían al año siguiente, ya que este era uno de los temas incluidos en One






En 2012 sacarían otro E.P. nombrado Perspective , inspirado en unas sesiones acústicas que hicieron un año antes en una emisora de radio de Brooklyn (N.York).
Con estos trabajos ya editados, se echaron a la carretera y participaron en varios festivales  europeos, lo que les dio la oportunidad de tocar con bandas ya consagradas e ir captando nuevos seguidores.







 Seguidores que nos quedamos alucinados con su segundo trabajo de larga duración, Altered State (2013) y que hizo que muchos medios escribieran muy buenas críticas de él.

Como curiosidad  decir que la batería es casi toda programada por Acle Kanhney (guitarrista) y tocada por el batería Jay Postones en un kit digital.
Merece la pena darle un buen repaso a este disco porque  derrocha calidad a raudales.




  
El último L.P. de TesseracT salió el año pasado, lo bautizaron como Polaris  y supuso la vuelta de Daniel Tompkings al micrófono, en lugar de Ashe O'Hara quien abandonó la banda en 2014. Tompkings  ya grabó One para luego dejar el grupo y dar paso a Elliot Coleman.






Polaris es su trabajo más sólido, con una mejor producción y donde los cambios de ritmo se suceden continuamente, quizás sea el que tenga menos sonido Djent de los tres.
Desde mi punto de vista echo de menos los coros y la armonía de Altered State, aunque temas como “Tourniquet” sean la excepción que confirma la regla y me hagan recordar en muchos pasajes a sus compatriotas, Porcupine Tree o Anathema.









Actualmente TesseracT son:

•    Alec "Acle" Kahney – guitarra
•    Jay Postones – batería
•    James 'Metal' Monteith – guitarra rítmica
•    Amos Williams – bajo
•    Daniel Tompkins – vocalista

A fecha de esta publicación el último trabajo a la venta de TesseracT es otro E.P. llamado Errai   sacado este año 2016, que consta de 4 temas remezclados de Polaris.

De entre todos los trabajos de estos británicos me he decidido por el 4º tema extraído de su L.P. Altered State, del que para mí es su mejor disco publicado hasta la fecha.
Enjoy It!!



TesseracT- (Reino Unido)
DISCO: "Altered State".- 2013
TEMA: Nocturne


miércoles, 24 de agosto de 2016

Huis



Seguro que habrá muchos lectores que no hayan oído hablar nunca de esta banda Canadiense, ya que hasta la fecha solo han publicado dos trabajos de larga duración y además no han sido muy comentados en los portales del género, así que vamos a darles algo de difusión porque se lo merecen.

Tanto Despite  Guardian Angels (2014) como  el recientemente publicado Neither in Heaven son  excelentes discos que merece mucho la pena tener en tu discografía, y dudo mucho que me equivoque si te digo que el primer LP de ellos puede ser el nuevo sustituto de tu disco de cabecera de este verano de 2016.

Huis son una banda de la zona francófona de Canadá, está compuesta por 5 músicos capaces de crear unas composiciones superlativas dentro del género del neoprogresivo.


Si  afirmo que ninguno de los temas de los dos discos tiene desperdicio seguro que muchos coincidiréis conmigo. 'Beyond The Amstel' es el primer corte con el que se dan a conocer en su primer álbum, y lo primero que me ha recordado es a sus compatriotas Mystery ya que su sonido es muy parecido, claro que eso tiene su explicación, ya que dentro de Huis hay una importante pieza de Mystery, el brillante guitarrista Michel St-Père.

Este Despite Guardian Angels contiene 11 tracks de los cuales 3 son intrumentales, y ojo porque vaya tres auténticas maravillas han creado estos canadienses. La primera de ellas 'Haunted Nights' va enclavada en segunda posición y dudo mucho que los teclados de Pascal Lapierre no te pongan la piel de gallina en los solo 3' que dura este tema, todo ello acompañado por una base rítmica genial y una producción exquisita.

A partir de aquí van transcurriendo los temas con notable fluidez sin bajar en ningún momento el nivel previamente mostrado, así que cuando llevamos cerca de 11' arranca 'The Last Jurney', tercer corte que cuenta con una leve atmósfera oriental y una voz exquisita de Sylvain Descôteaux, todo ello acompañado por unos coros y unas guitarras con unos riffs de grandísimo nivel, un auténtico temazo que te obliga a ajustarte los auriculares lo máximo posible para no perderte ni el más leve matiz.

Cuidado no te despistes que viene el segundo instrumental, 'Oude Kerk 1' donde si aún no te habían dado escalofríos las guitarras de Michel St-Père y los teclados de Pascal, aquí necesitarás ponerte algo de abrigo porque ojo a los los 6' que vienen, pura magia de principio a fin.

Como no quiero alargarme en exceso, prefiero que te encargues tú de elegir cual de los 11 es el mejor tema de este discazo, yo me quedo con varios pero si tengo que destacar uno, eligo  'If by Morning'.





Sobre su reciente Neither in Heaven publicado en la primavera de este 2016, señalar que esta obra cuenta con 10 temas de los cuales también 3 son intrumentales y curiosamente abren el álbum con uno de ellos de título homónimo al mismo y a modo de pequeña introducción, para enlazar con 'Synesthesia' que con más de 13' deja bien claro que el listón sigue siendo muy alto.
Impresionante es decir poco, con una voz genial de Sylvain junto a unos riffs de guitarra de Michel y una percusión no menos buena de Willian Régnier. Pero cuidado, por que no hemos acabado de secarnos las lágrimas y entra su segundo instrumental 'Insane' con una base más pesada y unas guitarras acústicas y unas líneas de bajo de Michel Joncas muy de la onda  de los tambien canadienses RUSH.






Este segundo disco lo encuentro con más melodías que el anterior, sigue siendo muy progresivo pero también tiene muy buenos guiños al género AOR. Por supuesto sigue recordándome a Mystery en muchos pasajes, y para no variar la producción es brillante, así que te hace disfrutar de el desde el primer minuto.
Lo que más me ha sorprendido de este Neither in Heaven es lo bien agrupadas que están el orden de las canciones, en ningún momento me dejan tomar respiro, van aumententado mis espectativas conforme van pasando los temas, y cuando llegas al antepenúltimo corte no puedes creer lo que estás oyendo. 'Memories' es una balada a medio tiempo con unos cambios que me recuerdan tanto a IQ como Pink Floyd, con un punteo de guitarra al final del mismo, que es de los mejores que he oido en muchos años, sin duda un auténtico incunable.

Lo cierto es que me he llevado una grata sorpresa con estos genios, así que ¿cómo no iba a estar incluido en este blog?.

Estoy convencido de que Huis os van a gustar al 99.9% de vosotros cuando los oigáis.

Actualmente Huis lo integran: 

MICHEL ST-PÈRE - Guitarras
JOHNNY MAZ - Teclados
SYLVAIN DESCÔTEAUX -Voces y teclados
WILLIAM RÉGNIER - Percusión
MICHEL JONCAS - Bajo




Huis- (Canadá)>
DISCO: "Neither In Heaven".- 2016
TEMA: Memories


domingo, 10 de julio de 2016

Gordian Knot


Gordian Knot es el proyecto en solitario de uno de los bajistas más destacados del metal progresivo contemporáneo. Su creador es Sean Malone y aunque este pertenece a una banda de renombre como es Cynic, para dejar volar sus inquietudes más relacionadas con el género del metal, jazz y su fusión con el mismo, creó este proyecto del que hasta la fecha solo hay dos álbumes publicados.

El primero se llamó Gordian Knot y fue editado en 1999, es enteramente instrumental y cuenta con  artistas invitados de primerísimo nivel como son John Myung (Dream Theater), Sean Reinert (Cynic) o Adan Levy (Norah Jones). Este es un trabajo donde Malone juega en algunos cortes con bases rítmicas folclóricas, el mejor jazz con marcada influencia de Pat Metheny, o temas con mucho regusto al estilo inconfundible de Joe Satriani, todos ellos bien engrasados tanto por el bajo sin trastes de el mismo Malone, como por el de seis cuerdas del maestro Myung.




De este primer disco me gustaría destacar el segundo corte 'Anticode', seguido de 'Reflections', 'Singularity' ocupando el quinto orden, y la maravillosa e indescriptible 'Redemption's Way' en sexto lugar.

Después de un impás de tres años publicó su última entrega 'Emergent' (2003), y si antes se supo aliar con músicos de primer orden, para este disco contó con la colaboración de Steve Hackett (Genesis), Bill Brufford (King Crimson, Yes, entre otros), Jim Matheos (OSI), a parte de compañeros suyos de Cynic como Paul Masvidal o Reinert. Como veréis este hombre sabe muy bien con quien codearse.



Este álbum es más experimental que el anterior, es más denso de escuchar, y las bases rítmicas son más marcadas que en su disco debut. Las guitarras acústicas y eléctricas de Hackett te embaucarán, al igual que la batería del maestro Brufford, llena de continuos cambios.

Este trabajo es para oídos entrenados en el género del free jazz y metal fusion, todo ello sumado a un sonido más Djent, lo que hace que los riffs sean más complejos y de gran virtuosismo, además de que la base rítmica es mucho más pesada y rica en matices. Un disco de obligada adquisición si te gustan los géneros mencionados.



De este Emergent, es muy difícil destacar temas en particular ya que todos son brillantes. Aún así me voy a mojar y voy a sacar a relucir el tercer corte 'A Shaman's Whisper' por mencionar alguno, pero como digo son todos a cual mejor.



Crucemos los dedos para que el amigo Sean Malone se ponga el mono de trabajo y nos deleite con otro LP, que ya han pasado 13 largos años...


Press Play & Enjoy It!!




Gordian Knot- (EEUU)
DISCO: "Emergent".- 2003
TEMA: A Shaman's Whisper


domingo, 26 de junio de 2016

Neal Morse


El personaje invitado para la entrada de hoy es un multi-instrumentista californiano, que desde que nació hace ya 56 años, se ha visto siempre envuelto en un ambiente muy creativo, musicalmente hablando, ya que a la temprana edad de los 5 años recibía clases de piano para más tarde introducirse en el aprendizaje de la guitarra.

Esto de estar rodeado de música le viene de familia, ya que su padre era director de coro y su hermano Alan y Steve también tocaban la guitarra.




Ya en su época juvenil después de hacer varios intentos por formar su propia banda junto a su hermano Alan, se dio cuenta de que no era nada fácil. Curiosamente el género que más le gustaba en sus primeros años era el Pop-Rock, y decepcionado por ver que no conseguía despuntar y cansado de las pocas oportunidades que le daba la ciudad de Los Angeles, decidió emigrar y aterrizar en Europa donde pasó unos años haciendo actuaciones en pequeñas salas, e incluso por las calles para poder pagarse su manutención.

Entrado en la treintena volvió a los EEUU y formó junto con su hermano Alan (guitarra), David Meros (bajo) y Nick de D'Virgilio (batería) el grupo de rock progresivo Spock's Beards allá por 1995, cuyo primer disco fue acuñado como The Light.

Este primer trabajo fue muy bien recibido por la crítica del género. Posteriormente publicaron 4 díscos más a cual más interesante, así que llegaron a los oídos del polifacético Mike Portnoy (batería de Dream Theater) quien les invitó a que giraran con ellos en el año 2.000.

Fue en este mismo año en el que Portnoy y nuestro invitado crean una super-banda llamada Transatlantic junto a otros dos pedazos de músicos del progresivo como son Trewavas (bajista de Marillion) y Roine Stolt (guitarrista de The Flower Kings).
A estas alturas nuestro personaje -Neal Morse- ya se encuentra en dos grandes bandas, ya que Transatlantic y su primer trabajo SMPT fue un auténtico superventas.

Dos años después y con seis discos editados con Spocks's Beards (su último con ellos fue con el álbum Snow) abandonó la formación para publicar su primer trabajo en solitario Testimony (2003). Un año antes se hizo fiel seguidor del cristianismo causado por la milagrosa recuperación de su hija Jayda, quien tuvo que someterse a una operación a corazón abierto dónde los médicos no le daban practicamente ninguna oportunidad de seguir con vida. Es a raíz de este incidente cuando todas sus letras giran alrededor de la temática religiosa.

Con Transantlantic ha colaborado en tres discos más -el último en 2014-, todos ellos muy recomendables.

Aún así y con toda la carga de trabajo entre giras y composiciones para nuevos álbumes, saca tiempo para apuntarse a un nuevo proyecto en 2012 y ser partícipe del nacimiento de Flying Colors, otro super-grupo que cuenta con el a los teclados y Portnoy en la percusión, además de su otro hermano Steve Morse en la guitarra y de Dave LaRue al bajo.

Tanto en solitario como con su Neal Morse Band tiene en la actualidad más de 20 trabajos entre directos, sesiones y discos acústicos de entre los cuales hay algunos como Songs From The Highway (2007), con estructuras musicales muy diferentes al género progresivo.

De todos los trabajos en solitario de este prolífico músico hay cuatro que me gustaría destacar:
Question Mark (2005), Sola Scriptura (2007), Testimony II (2011), Momentum (2012) y el último, The Grand Experiment, editado el año pasado.



Sin duda el genio de Neal Morse es uno de los pilares actuales del rock progresivo y neo-progresivo, y además ha tenido la valía de saber rodearse de muy buenos músicos para dar forma a su proyecto.
Actualmente cuenta con :

- Randy George / bajo
- Mike Portnoy / batería
- Bill Hubauer / clarinete, flauta, teclados y guitarra
- Eric Gillette / voces



Para ir terminando y después de darle muchas vueltas, me he decido por este tema de entre su extensa y maravillosa obra.
Lo aconsejable es dejar que fluya para que puedas admirar su gran calidad compositiva.




Neal Morse- (EEUU)
DISCO: "Momentum".- 2012
TEMA: Thoughts, Part 5


sábado, 11 de junio de 2016

Solid Relax Project (SRP)


La obra de arte que os traigo para esta nueva entrada ha sido concebida a fuego lento, así que para poder saborearla deberemos poner algo de nuestra parte y dedicarle nuestros 5 sentidos, si no lo hacemos podríamos caer en el atracón y que se nos empache a partir del segundo plato.

SRP (Solid Relax Project) dieron a luz su primer disco bautizado como Génesis (100% instrumental) en 2015, con seis temas a cual más condimentado, de manera que cada uno de ellos marida de manera diferente dependiendo de nuestro estado de ánimo, por lo que deberemos saber muy bien qué momento elegir para poder disfrutarlo y sacarle el sabor que ellos nos proponen. 




Si desgranamos su apetecible carta empezaremos con un entrante denominado "Génesis", que nos llevará degustarlo unos 15'. Este arranca con unas notas de piano de Roberto Carlos Bravo, con una cadencia que hace de interludio para dar paso al siguiente ingrediente de la mano de las guitarras de Alberto Guzmán, quien sabe bien aliñar las seis cuerdas de su acústica y posterior eléctrica para ir dando forma al comienzo de este plato, que a partir del minuto y 50" deja que se añada la base rítmica de Francisco José Mazuecos (batería) y Alberto Octavio (bajo) para volver a dejar protagonismo a los dibujos de teclado de Roberto, quien junto con Alberto nos irán conduciendo por diferentes riffs a cual más explosivo.

Recién hemos terminado de rebañar este primer plato nos proponen 'Trópico de Cáncer' con un marcado sabor a salsa que hará que nuestro cuerpo se mueva más de la cuenta, con riesgo de que el mâitre y resto de comensales nos echen una mirada de sorpresa, pero es que la mezcla de ingredientes es lo que te lleva a hacer hasta que cuando nos queda poco más de medio plato, el sabor cambia radicalmente para ofrecernos un estilo más en la onda del tipo de menú que le apetecería al maestro Joe Satriani regado con algo de funky y jazz fusion. Este plato puede llegar a empalagarnos si no le prestamos toda la atención que se merece, ya que las líneas de teclado de Roberto se hacen algo repetitivas, pero nada más lejos si prestamos atención a cómo va evolucionando sus fragmentos el resto de la banda.

Ya entrando en el ecuador nos sirven '5ª Dimensión', de cerca de 11', que pareciera que lo hubieran cocinado los integrantes de Liquid Tension Experiment o Planet X, donde en una parte del mismo se atreven a ponerle algo de salsa estilo OSI, de manera que los sintetizadores toman protagonismo y me hacen recordar al díscolo Kevin Moore.

A estas alturas del homenaje aún no hemos degustado lo mejor de la carta ya que nos quedan 'Rock Funkdamental' donde nos ofrecen un popurrí de diferentes estilos y donde Alberto se da un buen homenaje para acabar dejándome un regustillo como si lo hubiera presentado Steve Vai.

El resto de temas, 'Mar de Cristal' y 'Fase Rem', los voy a dejar sin tratar. No porque ya esté tan lleno que no me entre nada más en el cuerpo, sino porque son tan intensos en su sabor y presentación que sería una verdadera pena adelantar lo que estos cuatro genios nos proponen, por lo que sé tú mismo quien saques tus propias conclusiones y te lleves la sorpresa del año. Así que, como bien dicen ellos en su presentación:



'Cada tema contiene un mensaje explícitamente musical que hace honor a su título y que pretende expresar sin palabras una idea que sólo tú como oyente puedes interpretar de manera subjetiva, pero que no deja de ser una selección de ritmos y sonidos'.

Para ir terminando e ir pidiendo el café sólo me queda deciros que este Génesis se merece una estrella Michelín, y que si te gusta el arte no deberías dejar pasar la oportunidad de adquirirlo, ya que no sólo brilla por sus composiciones sino que tanto la produccción como el artwork son exquisitos.

PD: Siempre he tenido debilidad por la percusión antes que cualquier otro instrumento, y en este disco he podido disfrutar como un crío desembalando su nueva PS4.
Tremendo lo de Francisco José Mazuecos en las baquetas, al cual tuve la suerte de ver sustituyendo al batería de los castellonenses Dry River en el Festival de Rock Progresivo SonicArte, y donde nos dejó a todos -incluida a la banda- un gran sabor de boca.




SRP -Solid Relax Project- (España)
DISCO: "Génesis".- 2015
TEMA: Mar de Cristal


viernes, 20 de mayo de 2016

Face The Maybe


Face The Maybe (FTM) son un grupo de Metal Progresivo y Progcore surgido en Barcelona en el año 2009, cuyo fundador es el guitarrista venezolano Eimel Trejo.

En 2011 publican Insight, un disco compuesto por 8 canciones en los que podemos encontrar temas muy variados, pasando del metal progresivo al metal core progresivo, donde la base rítmica es una auténtica delicia en la que lo normal es no llevar un patrón reconocible si no su antítesis, con continuos cambios de ritmo como podemos oir en el cuarto tema 'Hierrarchies' dónde destaca sobremanera Joan Carles Marí en la percusión, perfectamente respaldado por Frederic Alexandre al bajo. 

En el tema 'Insight' -siguiente track- podemos disfrutar de todo el potencial de estos jóvenes donde cada uno da sobrada muestra del dominio de su instrumento, aquí todos fluyen sin pisarse apoyados brillantemente por los teclados muy bien resueltos de Albert Juan.

Albert después de este primer álbum abandonó la formación al igual que Maximilliano Castellini a las voces, del que tengo que comentar que me ha sorprendido gratamente su registro, sin abusar del gutural pero con un timbre desgarrado cuando hace falta darle mayor empaque a los estribillos, sabiendo moverse muy bien entre ambos estilos para no llegar a resultar demasiado lineal.

Lo curioso de esta banda es que yo los he conocido con su recién y último disco llamado The Wanderer publicado este año 2016 y dónde como yo muchos medios se han interesado por ellos añadiendo además, que este último trabajo ha contado con una mejor producción (aunque ya Insight suena realmente bien).



Si tengo que ponerle un pero a este The Wanderer , es que se me ha hecho un pelín más monótono que Insight, sobre todo en el último tercio del disco, quizás pueda influir la ausencia de teclados, lo que me lleva a percibir la base rítmica algo más repetitiva y presente que en el disco anterior, aún así lo catalogo como un trabajo de notable alto.

En este The Wanderer se les ha unido un nuevo vocalista llamado Tomás Cuñat quien tiene un estilo diferente al de Maximilliano y donde las melodías son más suaves, por lo menos en los primeros temas del álbum, pero que partir de 'Seth' ubicado en quinta posición, la banda  toma un giro más duro y muestra toda su rabia con los riffs de Sebastian y Eimel, bien respaldados por unas líneas de bajo más oscuras y con mayor presencia para los guturales.

The Wanderer es un disco conceptual que consta de 12 temas,  dónde se nos relata como el personaje principal quiere huir de los principios marcados por la sociedad que le rodea y junto a su familia huyen en un barco para buscar un nuevo lugar donde establecerse, pero en el viaje este naufraga y sólo queda el,  dónde consigue llegar a una isla en la que deberá vagar para intentar rehacer una nueva vida.

De este The Wanderer me quedo con el cuarto tema 'The Island',  y el segundo 'All That I See', ya que son lo primero que oí de Face The Maybe y que hizo que me interesara por ellos e incluirlos en este blog, aunque no puedo dejar pasar 'Danaides' o 'Sunstrings', tema este en que los cinco suenan a bloque con una sincronización perfecta.

Si te atrae el metal pesado pero con variados y continuos cambios, y no te disgusta el gutural (en contadas ocasiones) creo que esta joven banda española te va a sacar más de una sonrisa. Ah, y atención a Eimel Trejo porque en estos dos discos nos demuestra que tiene un nivel espectacular a la guitarra, por no hablar de Joan a las baquetas donde está realmente sublime.


Face The Maybe eran seis miembros en sus comienzos, actualmente el grupo está formado por:


Eimel Nisrain Trejo - Guitarra
Tomás Cuñat López - Vocalista
Joan Carles Marí - Batería
Frederic Alexandre Torres - Bajista/Voces
Sebastian Budding - Samplers/Guitarra





Face The Maybe (España)
DISCO: "The Wanderer".- 2016
TEMA: The Island



lunes, 9 de mayo de 2016

Aperco


Aperco son un grupo que hacen música de rock progresivo clásico de finales de los 70 con una cuidada mezcla de melodías sinfónicas que se formó hace tres años en Tel Aviv.

En 2016 han publicado su primer trabajo llamado The Battle, siendo este un álbum conceptual cuyo guión principal versa sobre los ciclos de vida de las personas y como estos según se van desarrollando describen los diferentes estados emocionales que se van sucediendo en el individuo.





En 2013 ya comenzaron con los preparativos del disco junto al productor Gideon Ricardo y el ya ex-teclista Tal Maizel, que posteriormente fue sustituido por Ronen Peled.


En The Battle abren con una 'intro' sinfónica, con la que te ponen en antecedentes de lo que se va a ir desarrollando conforme avanza la obra. Con tintes a lo B.S.O. de John Williams, este comienzo va fluyendo para enlazar con el segundo track 'Focused' que podría firmar perfectamente el maestro Andy Latimer a la flauta travesera, un tema instrumental de marcado sabor folk de la época de los británicos Camel.

'Another Day To Live' su tercer corte, nos sigue llevando por la senda del camello, con una guitarra de Tom Maizel que sigue manteniendo el estilo de Latimer a las seis cuerdas. Para mí estos primeros temas más el posterior 'A Call Of Submission' son muy del estilo de los primeros discos de los londinenses.

Curiosamente en la canción homónima la banda deja de alimentarse del camello para pasar a respirar aires más Floydianos con 'The Battle', pero donde más vamos a notar la influencia de Mason, Guilmour, Waters y Cía es en el octavo tema 'Dissonant Sound Within', para mí la joya del disco.

Aperco sólo tienen un disco en su biografía, pero es un trabajo que merece ser difundido sobre todo por el gran peso de rock progresivo clásico que emana en todas sus composiciones.

Si te gusta el progresivo clásico con toques de folk y reminiscencias a Camel, Genesis, Pink Floyd, y alguna salida de tono a lo King Crimson este disco seguro que te gustará desde el primer minuto, apoyado además por una destacable producción que te hará disfrutar plenamente de su música.


Aperco son:

Tom Maizel - Guitarrass, Flauta, Voces
Yuval Raz - Bajo, Voces
Ronen Peled - Teclados
Dor Adar - Batería




Aperco (Israel)
DISCO: "The Battle".- 2016
TEMA: Dissonant Sound Within


lunes, 11 de abril de 2016

Perfect Beings


Perfect Beings son un quinteto californiano formado en la primavera de 2013 cuyo nombre nos puede sonar algo pretencioso (Seres Perfectos), pero lo cierto es que su álbum debut de título homónimo no dejó indiferente a nadie y consiguió innumerables críticas positivas, donde la tónica general fue la de un soplo de aire fresco.

Lo primero que me vino a la cabeza cuando los escuché es que son una mezcla de varios géneros como puede ser el pop folk más melódico, algunos toques de indi y mucho progresivo clásico que es lo que aquí nos atrae.





Publicado en 2014 y compuesto por 10 temas Perfect Beings nos abre su propuesta con "The Canyon Hill", un tema a medio tiempo con unas melodías muy pegadizas y que sirve como trampolín para dar paso a "Helicopter", donde los teclados de Jesse Nason ya nos advierten que van a ser la base principal de sus composiciones, y que vamos a encontrar una producción donde cada instrumento va a ser claramente distinguible.
En el siguiente corte "Beeps & Wasps" es donde realmente conecto con su obra, un tema con unas guitarras de Johannes Luley muy de la onda de Alex Lifson, y una voz cálida y envolvente como es la de Ryan Hurtgen sumado a unos coros realmente exquisitos, si encima le sumamos una percusión muy elaborada por Dicki Fliszar (ex-batería de Bruce Dickinson), pues como para no engancharme.

Es significativo como un disco puede ir creciendo con cada tema que vas oyendo, y te va dando la sensación de que es imposible superar lo que ya ha pasado hasta que empieza "Walkabout", cuarto corte del álbum y tema más largo. Aquí Fliszar se marca un sólo de batería a la mitad del tema que hace las delicias de cualquier amante de la percusión. Este es un tema sublime donde la banda muestra todo su potencial y donde las guitarras acústicas de Luley nos van guiando unido todo ello a unos coros exquisitos.

No quiero seguir desgranando este primer trabajo de los norteamericanos puesto que el año pasado han publicado su segundo disco llamado Perfect Beings II y me alargaría en exceso. 



De su segunda obra tengo que decir que me ha gustado algo menos que el ya comentado, quizás porque el nivel de su primer LP fue demasiado bueno, aún así encontramos temas como "Mar de Fuego", que es con el que rompen el hielo y donde Luley se arranca con unos riffs impactantes a los Robert Fripp seguido por un bajo muy marcado de Chris Tristam para luego dar paso a unas palmas flamencas para redondear el guiño a lo español, y no sólo en el título si no en lo compositivo con un marcado piano de Nason, o en "Go", donde el comienzo nos revela el pop de los 80 para luego pegar un giro en el ecuador del mismo y arrancarse con unos riffs de guitarra al estilo desbocado de Steve Howe y pasar a una base rítmica más pesada para luego volver a retomar el estilo popero de U2 si se me permite la licencia.
De este trabajo destaco el cuarto tema "The Love Inside", una auténtica maravilla que hace que suba mucho la nota media del conjunto de la obra.

Este es un disco también de 10 temas con algunas pinceladas de psicodelia y con bases más cercanas al Jazz en muchos pasajes, también me parece que se inspiran más en los Yes y Genesis de los 70. Es una obra que demuestra que son unos grandes músicos y que su intención es la de seguir llamando la atención con un estilo muy variado pero fresco, pegadizo y muy agradable de oír.

Para mí donde más flojea este Perfect Beings II es en el tramo final del disco, desde "Rivermaker" hasta "The Thrill Seeker" comparándolo con todo lo anterior. Ojo, no es que sean temas malos, si no que se toman más licencias componiendo al libre albedrío, por ejemplo en "Cause & Effect" nos llevan cómo si fuera una montaña rusa, de un lado al otro perdiendo esa armonía que llevaban de guión en sus anteriores piezas. No obstante para gustos los colores, y aquí estos cinco músicos nos muestran una paleta con muchas tonalidades donde poder elegir.





Perfect Beings (USA)
DISCO: "Perfect Beings".- 2014
TEMA: Bees and Wasps


domingo, 3 de abril de 2016

Applesmellcolour



Siempre hemos oído que en este país el arte musical se da sobre todo en la zona sur de la península, donde el flamenco y las diferentes fusiones del mismo han sido ampliamente reconocidas por los críticos, pero es injusto que muchos no programen las coordenadas de su GPS hacia otras comunidades, donde hay una riqueza musical realmente exquisita.

Las primeras entradas de este blog fueron dedicadas a  grupos nacionales de donde podíamos sacar bandas extraordinarias, de lugares como Gijón con Crack, Valencia con Alternative Five, Madrid con el Círculo de Willis, o los catalanes Gotic por mencionar algunos.

Bien, pues en esta ocasión volvemos a beber agua del rico y fructífero manantial cuyo nacimiento se da en el noreste peninsular, y que no hace más que generar grupos de una calidad abrumadora.

Tarragona es la provincia tocada por "Apolo" el Dios de la música , y nos trae bajo su brazo a una banda llamada Applesmellcolour, cuyo fundador y máximo responsable se llama Lluis Barceló (a la guitarra) quien sabiamente se ha sabido rodear de cinco maestros para darnos a probar su primera obra (y ojalá sea el comienzo de una larga travesía) denominada,  'Unscrupulousness' que traducido a la lengua castellana significa -sin escrúpulos-.





Es un disco sobresaliente tanto en la producción como en lo relativo a la composición, donde podemos encontrar reminiscencias de King Crimson en "I`m An Atom In The World" con Pep Espasa dándose un homenaje como saxo tenor, o de Deep Purple en varios tramos de "Boss Of Wizars" con ese órgano de Mo Espasa que me recuerda mucho a ya fallecido Jon Lord, magistralmente acompañado por el resto junto a una flauta travesera excelsa del ya mencionado Pep y una voz clara y muy jazzy como es la de Uri Mas, para mí uno de los mejores temas del disco, donde además la base rítmica hace de pegamento a la perfección para que todos brillen al unísono.

Ellos comentan que se alimentan de bandas como Genesis, Pink Floyd, Queen o Path Metheny entre otros. Lo cierto es que es una obra donde se tocan muchos estilos y donde el jazz cobra mucha presencia, no sólo en los instrumentos de viento, si no en la batería de Marc Claramunt, y en el bajo de Loti.

Applesmellcolour no es sólo es música, es una declaración de intenciones sobre la falta de escrúpulos en la vida actual donde estamos rodeados de conflictos sociales, la explotación masiva de los recursos naturales, y las luchas de clases por hacerse dejar oír, nuestras relaciones de pareja y el fin de ciclo debido al imparable paso del tiempo.

Este "Unscrupulousness" es un disco que deberías adquirir si te gusta la excelencia, no sin antes hacer una copia de alta calidad del mismo, todo sea que con el paso de las muchas escuchas (que seguro harás) se deteriore, y cuando vayas a hacerte con otro posiblemente ya no será fácil de encontrar.




Applesmellcolour (España)
DISCO:"Unscrupulousness".-2015
TEMA: Blank Look


domingo, 6 de marzo de 2016

El Tubo Elástico



Lo primero que me ha llamado la atención al escuchar este trabajo, es que tiene una producción tan buena que ya de primeras tiene ganado el notable,  pero es que además El Tubo Elástico hacen una mezcla muy original entre rock progresivo, algo de blues, jazz, algunas pinceladas de math-rock y en el primer corte 'Pandora' mucho de post-rock. De hecho cuando me puse a oírlo con mayor atención pensé oyendo el primer tema, suena bien esta gente pero no es el género que más me llene siendo sincero, pero según va fluyendo el disco y comienzan los acordes del segundo track 'Camaleón' dejamos de lado el post-rock, para darnos de bruces con un género que si me atrae mucho más como es el math-rock pero no en su vertiente más estricta, sino que lleva ingredientes de funky muy bien entrelazados y que según se va desarrollando van despejándose para dar paso a leves toques de psicodelia.




Después de esta leve intro tengo que reconocer que donde me engacha de pleno este LP de los gaditanos  El Tubo Elástico es a partir del tercer tema 'Ispra I-Isra II' donde se atreven con leves toques de blues, jazz y así de atrevidos se van moviendo entre géneros hasta el último corte y sexto llamado, 'Vampiros y Gominolas'.
Entre medias tenemos 'Rojo' donde aquí si que encontramos una composición mucho más progresiva que en los anteriores temas, para luego continuar con 'El Enjambre' para mi el súmmum del disco donde hay pasajes muy parecidos a los polacos Riverside y donde el rock progresivo se acentúa conforme se va desarrollando, hasta llegar a su desenlace final.

Este pasado verano de 2015 sacaron a la venta copia física tanto en Vinilo como en CD, aunque desde Febrero de 2014 estaba ya disponible en formato digital que podéis oir en su bandcamp.

El Tubo Elástico está formado por:

Alfonso Romero: bajo y sintetizadores.
Carlos Cabrera: batería y percusiones.
Daniel González: guitarra y sintetizadores
Vizen Rivas: guitarra y sintetizadores.

 Si queréis disfrutar de vuestro HiFi alimentadlo con este disco compuesto por estos cuatro genios de Jeréz de la Frontera, seguro que a partir de segundo tema dejáis todo lo que estéis haciendo para dedicarle todos vuestros sentidos, eso si, no busquéis las letras ya que es un trabajo cien por cien instrumental, más mérito aún si cabe para conseguir retenerte con su variopinta propuesta.






El Tubo Elástico (España)
DISCO:El Tubo Elástico".- 2015
TEMA: El Enjambre


domingo, 21 de febrero de 2016

Eric Baule



Catalogado como el mejor álbum de rock progresivo de 2015 por varios medios españoles y con numerosas críticas positivas en webs internacionales de prestigio, Revelations Adrift  primer LP de la banda Eric Baule, ha entrado como un misil compuesto por 10 ojivas nucleares que a muchos nos ha hecho girar bruscamente la cabeza y andar con dolor de cuello durante semanas...





Es un trabajo soberbio desde el primer track "Tidal Wave" hasta el décimo "Spring Disease", pasando por "Back To Nature" o "Release From Duality" donde hay unos coros y unas letras muy directas apoyados por unos cambios de ritmo y unos riffs de guitarra embriagadores.
Si nos vamos a los estrictamente instrumentales no puedo dejar pasar "Touching The Earth" o "Flying High" donde sólo los primeros acordes de guitarra te dejan clavado buscando como activar  el modo repeat on de tu reproductor para volver a degustar semejante maravilla.

Encomiable el trabajo de Eric Rovira en la batería quien en muchos pasajes me recuerda a uno de los grandes del momento, Mr. Gavin Harrison con un juego increíble en el manejo del hit hat y los platos, sin duda un gran baterista, que además apoya en los coros y produce el disco.

Pero del que sin duda tengo que hablar es del creador de semejante obra, Eric Baulenas quien lleva mucho tiempo trabajando para al final dar luz verde a su sueño y rodeado de 3 musicazos sacar esta auténtica joya Made in Spain aunque muchos no se lo crean. Su estilo con la guitarra me recuerda en muchos tramos a los del maestro Guilmour, en otros a otro gurú como Joe Satriani y cuando debe meter un riff metalero no se aleja mucho de Steven Wilson con Porcupine Tree apoyado siempre por un bajo contundente y muy creativo como es Dani Soto.

Pero para que todo esto encaje y tenga ese toque especial no nos podemos olvidar de unos teclados muy bien desarrollados por Isam Alegre, quien ya no se encuentra en la banda para dar paso a Alex Calero a quien pudimos ver ya en directo con la banda el pasado 6 de Febrero en la Sala Lemon en Madrid.

Sin más que decir aquí os dejo con uno de sus temazos, disfrutad de la producción y composición.
Un trabajo que ganará más aún con el paso del tiempo.

PD: Qué decir de la portada...




Eric Baule (España)
DISCO: "Revelations Adrift".- 2015
TEMA: Touching The Eatrh